Титаны ренессанса (Санти, Микеланджело, Леонардо да Винчи)

Фигуры, созданные Рафаэлем, уже лишены архаической скованности, в них меньше статики — даже при том, что он использует все ту же идеально симметричную композицию, математическую выверенность которой только подчеркивает Идеальный Храм на заднем плане. Новаторство языка его архитектуры — с легкой аркадой ионического ордера, идеальным полусферическим куполом — заставило предположить некоторых исследователей влияние на Рафаэля Браманте, уже построившего к 1502 году свой знаменитый Темпьетто. Однако до своего переезда во Флоренцию Рафаэль скорее всего не мог видеть этой постройки, к тому же изображенный на его картине храм отличается весьма неконструктивным духом, что особенно проявилось в странных завитках волют, обеспечивающих переход от венца колонн к барабану купола, сложная спиралевидная форма которых не слишком подходит для исполнения из камня. Его храм — в первую очередь символ, и только затем — манифест новых архитектурных идей.

Рис.2.1 – Автопортрет Рафаэля Санти

К флорентийскому периоду творчества Рафаэля относится  его автопортрет (рис. 2.1.), написанный в 1506 году в двадцать три. Голова его и плечи четко вырисовываются на гладком фоне. Контур необыкновенно тонок, чуть волнист . Взгляд задумчив и мечтателен. Рафаэль как бы смотрит на мир и проникается его гармонией. Смотря на картину можно сопоставить описание Вазари с визуальным видением зрителя.

И, глядя на его  автопортрет, как не согласиться  с итальянским писателем Дольче, его младшим современником, который говорит, что Рафаэль любил красоту и нежность форм, потому, что сам был изящен и любезен, представляясь всем столь же привлекательным, как и изображенные им фигуры.

Рис.1.2 – Фреска «Афинская школа»

В 1508 году Папа Юлий II приглашает Рафаэля в Рим и, совместно с другими приглашенными художниками, поручает им  роспись парадных залов Ватиканского дворца. Со временем Папа Римский оставил одного Санти. Рафаэль расписал три зала. Лучший из них – зал «Станца дела Сенья-тура». Каждую из стен зала занимает огромная фреска на темы: богословие «Диспут», поэзия «Парнас», закон «Мудрость, Мера и Сила», и философия «Афинская школа» (рис. 2.2).

На фреске изображено величественное античное здание. На его ступеньках, под сенью статуй самых творческих богов древности - Аполлона и Минервы, собрались прославленные мудрецы античности - философы, математики. В центре, сойдясь плечом к плечу - Платон и Аристотель. Седовласый Платон, подняв руку, указывает на небо: там истина; значительно более молодой Аристотель, напротив, раскрытую ладонь в энергичном жесте обратил к земле: нет, истина здесь. Вправо и влево от этих двух отцов мудрости - их ученики и сторонники. Одни напряженно слушают, другие сосредоточенно размышляют, третьи торопливо записывают, иные не скрывают своего сомнения, горячо спорят, энергично жестикулируя, а те спешат не опоздать к ученому спору. Отдельные кружки как бы обособились, но всюду напряженно работают. Особенно выразительна группа молодых людей в правом углу картины, собравшаяся вокруг маститого ученого склонившегося над каким-то чертежом. Они атлетически сложены, их позы, жесты полны горячей заинтересованности, лица светятся жаждой знания: они и стараются понять, и активно участвуют в решении трудной задачи [4].

Чтобы оценить  силу и глубину этого творения, нужно учесть, какая невероятно сложная  задача была поставлена перед художником - изобразить Философию (таково первоначальное название фрески). Рафаэль разрешил эту задачу гениально и - вполне в  духе Высокого Возрождения: пожалуй, в ренессансном искусстве не существует другого произведения, где бы с такою художественной убедительностью, в такой могучей гармонии слилось и выразилось отдельное и цельное, индивидуальное и общее.

«Афинская школа», быть может, самое художественное творение ренессансного гуманизма, но прежде всего это гимн свободе и могуществу человеческой мысли, безбрежности полета свободного, познающего разума. Во фреске Рафаэля мышление представлено как высшее воплощение свободы и достоинства человека.

Наряду с  образами идеальных людей, рожденных его творческим вдохновением. Рафаэль рисовал и портреты своих современников. Например, о портрете Юлия II Вазари говорит: «В это же время, пользуясь уже величайшей известностью, он написал маслом портрет Папы Юлия, настолько живой и похожий, что при одном виде портрета люди трепетали, как при живом Юлии».

В 1515 году Рафаель  написал портрет «Донна Велата». «Донна Велата» принадлежит к числу величайших шедевров гуманистического Высокого Возрождения. Она - редчайший эталон тихой, ничем не замутненной женской красоты.

В период с 1515 по 1519 года Рафаэль создал обаятельный  образ женщины в картине «Сиктинская  мадонна». Мадонна идет по облакам  навстречу своей трагической  судьбе, зная, что для счастья  людей должна отдать смерти самое дорогое, что у нее есть, - сына. Сюжет возвышающий величие человека, способного во имя высшего долга идти навстречу мукам и смерти. (А.С. Жукова) [1].

Жуковский: «Перед глазами полотно, на нем лица, обведенные чертами, и все стеснено в малом пространстве, и, несмотря на то, все необъятно, все неограниченно... Занавесь раздвинулась, и тайна небес открылась глазам человека... В Богоматери, идущей по небесам, не приметно никакого движения; но чем более смотришь на нее, тем более кажется, что она приближается».

Брюллов: «Чем больше смотришь, тем более чувствуется непостижимость сих красот: каждая черта обдумана, переполнена выражения грации, соединена со строжайшим стилем...»

Белинский: «В ее взоре есть что-то строгое, сдержанное, нет благодати и милости, но нет гордости, презрения, а вместо всего этого какое-то не забывающее своего величия снисхождение”»

Герцен:  «Внутренний мир ее разрушен, ее уверили, что ее сын - Сын Божий, что она - Богородица; она смотрит с какой-то нервной восторженностью, с материнским ясновидением, она как будто говорит: “Возьмите его, он не мой”. Но в то же время прижимает его к себе так, что, если б можно, она убежала бы с ним куда-нибудь вдаль и стала бы просто ласкать, кормить грудью не спасителя мира, а своего сына».

Достоевский видел  в «Сикстинской мадонне» высшую меру человеческого благородства, высочайшее проявление материнского гения. Большая поясная ее репродукция висела в его комнате, в которой он и скончался [4].

Рафаэль был  не только живописцем, но и поэтом и архитектором. Он писал сонеты, строил дворцы, церкви, часовни.

В 1514 году Папа Лев X поставил Санти во главе строительства собора Святого Петра.

Смерть Рафаэля  прервала эту работу.

Рафаэль оставил  нам большое богатство – культурное наследие гуманистического представления мира. Такого представления в наше время сейчас не хватает. Зачастую высокое положение в обществе выше личных качеств человека.

 

Микеланджело  Буонарроти (1475-1564)

 

«Не родился еще человек, который, подобно мне, был бы столь склонен любить людей», - писал о себе великий итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт Микеланджело.

С наибольшей силой Микеланджело в своих произведениях искусства выразил глубокие, человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, а также трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания в период Позднего Возрождения в годы торжества церковной и феодальной реакции.

В возрасте 13 лет  отец Микеланджело привел его учеником в мастерскую Художника Гирландайо. Год спустя, Буонарроти переходит в школу скульптора Бертольдо ди Джованни. Среди его скульптурных работ того времени можно выделить рельефы «Мадонна у лестницы» и «Битва кентавров», статую «Вакха» и скульптурную группу «Пьета».

«Мадонна у  лестницы» - первая самостоятельная скульптурная работа Микеланджело, созданная в 1491 году по его собственному замыслу.

Представляет  собой барельеф, изображающий Богоматерь, сидящую в профиль на скамье у  подножия лестницы и держащую в руках  младенца. Вопреки сложившейся к  тому времени традиции Иисус обращён спиной к зрителю, его лица не видно. Боковая доска балюстрады лестницы и рука мальчика Иоанна Крестителя, стоящего на ступенях, образуют символический крест, стоящий на коленях Мадонны (или же упирающийся ей в ладонь). Это изображение показывает, что Богоматерь будто чувствует тяжесть креста, на котором, как она знает, будет распят её Сын.

Итальянский мастер в скульптурной группе «Пьета» переосмыслил в духе высокого гуманизма скульптурное изображение безжизненного Христа на руках матери. Мадонна представлена им как совсем юная и прекрасная женщина, которая скорбит об утрате самого близкого ей человека.

Несмотря на сложность соединения в одном  изваянии двух столь крупных фигур, композиция «Пьеты» безупречна. Фигуры трактованы как единое целое, их соединение поражает слитностью. Вместе с тем скульптор тонко противопоставляет мужское и женское, живое и мёртвое, нагое и прикрытое, вертикальное и горизонтальное, чем вносит в композицию элемент напряжения.

Крупные, ломающиеся складки одеяния Мадонны не только намеренно усиливают драматический излом лежащего на её коленях тела, но и служат своеобразным пьедесталом для всей пирамидальной композиции. В этих изощрённых складках угадывается скрытая мощь, как духовная, так и физическая, контрастирующая с мягкими чертами лица Богоматери.

Рис.3.1 – Скульптура Давида

 

В 26 лет Микеланджело берется за трудную работу. Олин скульптор начал высекать статую из мраморной глыбы высотой более пяти метров, но испортил мрамор и бросил его. Лучшие мастера того времени, в том числе и да Винчи, отказывались браться за эту работу. Микеланджело согласился. Через три года перед зрителями предстал отважный юноша Давид, который, согласно легенде, победил в единоборстве великана Голиафа (рис. 3.1). Скульптор показал своего героя, как прекрасного, атлетически сложенного гиганта в момент перед сражением, полного уверенности и грозной силы. Впоследствии было сделано несколько копий скульптуры [1].

 

Рис.3.2 – Сиктинская капелла

Фрески Сикстинского плафона (рис. 3.2) — самый грандиозный из осуществленных замыслов Микеланджело. Роспись громадного свода  включает в себя девять больших композиций в зеркале свода на темы книги Бытия — от «Сотворения мира» до «Всемирного потопа». Один из ярких образов этой росписи – первый человек Адам. Мужественный и прекрасный, с еще неразбуженной мыслью и нераскрывшимися силами лежит он на склоне холма, протянув руку к создавшему его Богу. Через плечо Бога смотрит ангел, изумленный красотой человека (А.С. Жукова) [1]. В этом образе прекрасно сливаются гуманистические представления о человеке. Представляя качества человека, которыми можно восхищаться. Можно восхититься и самим художником ведь он в неимоверно трудных условиях создавал эти росписи. Более четырех лет труда, требовавшего почти сверхчеловеческого духовного и физического напряжения. Наглядное представление об этом дают такие саркастические стихи Микеланджело:

Я получил за труд лишь зоб, хворобу

(Так пучит  кошек мутная вода

В Ломбардии - нередких мест беда!)

Да подбородком  вклинился в утробу;

Грудь как у  гарпий; череп мне на злобу

Полез к горбу; и дыбом борода;

А с кисти  на лицо течет бурда,

Рядя меня в  парчу, подобно гробу;

Сместились  бедра начисто в живот;

А зад, в противовес, раздулся в бочку;

Ступни с  землею сходятся не вдруг;

Свисает кожа коробом вперед,

А сзади складкой выточена в строчку,

И весь я выгнут, как сирийский лук [4].

В 1507 году Микеланджело создает картину «Мадонна Дони». Первый план отдан мускулистой фигуре девы Марии; над ней как бы нависает Иосиф Обручник. На заднем плане и несколько в стороне по тосканской традиции помещён Иоанн Креститель. Взоры всех троих устремлены на младенца Христа, которого Мария то ли передаёт мужу, то ли принимает от него.

Картина проникнута усложнённым символизмом. Например, клевер на переднем плане символизирует Троицу, иссоп перед Иоанном Предтечей - крещение. Загадочный элемент композиции - пять обнажённых мужских фигур, которые расположены на заднем плане, отделены от Святого семейства горизонтальной полосой и не смотрят на Христа. В искусствоведческой литературе приводятся многочисленные интерпретации этих фигур - от теологических (древние язычники, ожидающие крещения) до психоаналитических.

 

Ближайшим аналогом «Мадонны Дони» в искусстве Возрождения принято считать произведение Синьорелли «Мадонна Медичи», где также присутствуют обнажённые юноши. Подобно картине «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом» Леонардо да Винчи, композиция строится на симметрии треугольников.

В 1520 году Микеланджело принялся за сооружение во Флоренции  гробницы семьи Медичи – правителей города. Работа над гробницей была прервана восстанием города против Медичей. В 1527 году во Флоренции была восстановлена республика. Микеланджело сам принимал активное участие в защите города. Но республика была побеждена.

Для помилования  Буонарроти пришлось закончить строительство  гробницы семьи Медичи. В 1534 году гробницы Джулиано и Лоренцо Медичи были закончены. Четыре обнаженные фигуры на саркофагах – «Вечер», «Ночь», «Утро» и «День» - как бы символизировали быстротекущее время.

Внутренняя  напряженность и в то же время  щемящее сомнение, предчувствие обреченности - вот что выражают все эти фигуры. Печаль разлита во всем и ходит  от стены к стене.

В честь самой знаменитой фигуры - прекрасной «Ночи» - были сочинены такие стихи:

Вот эта ночь, что так спокойно спит

Перед тобою, - ангела создание.

Она из камня, но в ней есть дыхание:

Лишь разбуди, - она заговорит.

Но Микеланджело с этим не согласился и так ответил от имени самой «Ночи»:

Отрадно спать, отрадно камнем быть,

О, в этот век, преступный и постыдный,

Не жить, не чувствовать - удел завидный,