Русская живопись рубежа XIX – XX веков

Министерство образования Республики Беларусь

Учреждение образования

«Мозырский государственный педагогический университет

имени И.П. Шамякина»

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Контрольная работа по предмету «Культурология».

Тема № 42.

Русская живопись рубежа XIX – XX веков.

 

 

 

 

 

 

 

Выполнила:

студентка 4 курса, 2 группы

факультета  ДиНО,

специальности «Дошкольное образование»

Уланова Вероника Юрьевна

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Мозырь 2012

Введение

Рубеж XIX – XX вв. – особый, переломный период для России. Экономические  подъемы и кризисы, проигранная  мировая война 1904–1905гг. и революции 1905–1907гг., первая мировая война 1914–1918гг. и, как следствие, революции в феврале и октябре 1917г., свергшие монархию, а затем власть буржуазии. В обществе все более нарастало ощущение неизбежности социального кризиса, необходимости смены ценностей. Народническая идеология потерпела крушение. Начался поиск новых идеологических концепций общественного развития.

В духовной жизни России отразились социальные противоречия эпохи, и противоречия русской общественной мысли. В обществе возникает чувство катастрофизма  времени, завершенности культуры. На этой почве в литературе и искусстве  возникают апокалипсические мотивы. Однако, Россия тогда переживала период плодотворного и динамического развития культуры. Это был период духовного ренессанса, обновления. «Серебряным веком» назвал этот период в истории русской культуры философ Н. А. Бердяев.

Для живописцев рубежа веков свойственны  иные способы выражения, чем у  передвижников, иные формы художественного  творчества – в образах противоречивых, усложненных и лишь косвенно отображающих современность, без иллюстративности и повествовательности. Художники мучительно ищут гармонию и красоту в мире, который в основе своей чужд и гармонии, и красоте. Вот почему свою миссию многие видели в воспитании чувства прекрасного. Это время «канунов», ожидания перемен в общественной жизни породило множество течений, объединений, группировок, столкновение разных мировоззрений и вкусов.

Серебряный век приобрел расширительное толкование и стал использоваться для  характеристики определенных культурных процессов, происходивших в России в означенный период. Ведь одни и  те же идеи, мотивы, настроения питали, наряду с литературным творчеством, также музыкальное и театральное, изобразительное искусство, перекликаясь в то же время и с исканиями  русской религиозно-философской  мысли. При этом Серебряный век не просто отражал философско-художественными  средствами существующие исторические условия, но, складываясь на основе нового мироощущения, сам творил новый  стиль мышления, и в каком-то смысле новую социальность, что позволяет определить его, как культуру.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1. Основные тенденции  в русской живописи рубежа  XIX – XX веков.

Именно в 80-е годы XIX столетия, в эпоху духовного застоя, началось формирование нового типа художника. Появились потомственные интеллигенты-выходцы из профессорских семей или творческой среды.

Художник перестал восприниматься ремесленником, он становился властителем  дум. Это был человек блестяще образованный. Отличительной чертой художника Серебряного века стал творческий универсализм.

В этот сложный период для  страны, для живописцев рубежа веков  стали свойственны новые способы  выражения, новые формы художественного  творчества – в образах противоречивых, усложнённых и отображающих современность  без иллюстративности и повествовательности. Художники мучительно гармонию и  красоту в мире, который в основе своей чужд и гармонии, и красоте. Вот почему свою миссию многие видели в воспитании чувства прекрасного. Это время ожидания перемен в  общественной жизни породило множество  течений, объединений, группировок, столкновение разных мировоззрений и вкусов. Но оно породило также универсализм целого поколения художников, выступивших  после «классических передвижников. Достаточно назвать только имена  В.А. Серова и М.А. Врубеля.

На рубеже веков сложился стиль, затронувший все пластические искусства, получивший название стиля  модерн. Явление это неоднозначное, в модерне есть и декадентская вычурность, претенциозность, рассчитанные главным образом на буржуазные вкусы, но есть и знаменитое само по себе стремление к единству стиля. В живописи модерн проявил себя символикой образов, пристрастием к иносказаниям.

Искусствоведы отмечают, что  в 90-х годах развивается жанровая живопись, но развивается она несколько  иначе. По новому раскрывается крестьянская тема. Раскол в сельской общине подчёркнуто обличительно изображает Сергей Алексеевич Коровин (1858 – 1908) в картине «На миру». Безысходность существования в тяжёлом, изнуряющем труде сумел показать Абрам Ефимович Архипов (1862 – 1930) в картине «Прачки». Он достиг этого в большой степени благодаря новым живописным находкам, по-новому понятым возможностям цвета и света.

Недоговоренность, подтекст, удачно найденная выразительная  деталь делают ещё трагичнее картину  Сергея Васильевича Иванова (1864 – 1910) «В дороге. Смерть переселенца». Торчащие, как воздетые в крике, оглобли драматизируют действие значительно больше, чем изображённый на переднем плане мертвец или воющая над ним баба. Иванову принадлежит одно из произведений, посвящённых революции 1905г. – «Расстрел». Импрессионистический прием «частичной композиции», как бы случайно выхваченного кадра сохранён и здесь: лишь намеченная линия домов, шеренга солдат, группа демонстрантов, а на переднем плане – фигура убитого и бегущей от выстрела собаки. Для Иванова характерны резкие светотеневые контрасты, выразительный контур предметов, известная плоскостность изображения.

В 90-х годах XIX века в искусство входит художник, который главным героем своих произведений делает рабочего. В 1894г. появляется картина Николая Алексеевича Касаткина (1859 – 1930) «Шахтёрка», в 1895г. – «Углекопы. Смена».

На рубеже веков несколько  иной путь развития намечается в исторической теме. Так, например, Андрей Петрович Рябушкин (1861 – 1904), в отличие от Василия  Ивановича Сурикова, которого привлекали именно переломные моменты отечественной истории, работает скорее в историко-бытовом, чем в чисто историческом жанре. «Русские женщины XVII столетия в церкви», «Свадебный поезд в Москве. XVII столетие», «Едут. (Народ московский во время въезда иностранного посольства в Москву в конце XVII века)», «Московская улица XVII века в праздничный день» и пр. – это бытовые сцены из жизни Москвы XVII столетия. Рябушкина особенно привлекал этот век, с его пряничной нарядностью, узорочьем. Художник эстетски любуется ушедшим миром XVII века, что приводит к тонкой стилизации, далёкой от монументализма Сурикова и его оценок исторических событий.

Ещё большее внимание уделяет  пейзажу в своих исторических композициях Аполлинарий Михайлович Васнецов (1856 – 1933). Его любимой темой также является XVII век, но не бытовые сцены, а архитектура Москвы («Улица в Китай-городе. Начало XVII века»).

Новый тип картины, в которой  совершенно по-особому освоены и  переложены на язык современного искусства  фольклорные художественные традиции, создал Филипп Андреевич Малявин (1869 – 1940). Его образы «баб» и «девок» имеют некое символическое значение – здоровой почвенной Руси. Картины его всегда экспрессивны, и хотя это, как правило, станковые произведения, но они получают под кистью художника монументально-декоративную трактовку. «Смех», «Вихрь» – это реалистическое изображение крестьянских девушек, заразительно звонко смеющихся или безудержно несущихся в хороводе, но это реализм иной, чем во второй половине века. Живопись размашистая, эскизная, с фактурным мазком, формы обобщены, пространственная глубина отсутствует, фигуры, как правило, расположены на переднем плане и заполняют весь холст. Малявин соединял в свое живописи экспрессивный декоративизм с реалистической верностью натуре.

К теме Древней Руси, как  и ряд мастеров до него, обращается Михаил Васильевич Нестеров (1862 – 1942), но образ Руси предстаёт в картинах художника как некий идеальный, почти зачарованный мир, находящийся  в гармонии с природой, но навек  исчезнувшей. Это острое ощущение природы, восторг перед миром, перед каждым деревом и травинкой особенно ярко выражены в одном из самых  известных произведений Нестерова  дореволюционного периода – «Видение отроку Варфоломею».

В стремлении же художника  к плоскостной трактовке композиции, нарядности, орнаментальности, утончённой изысканности пластических ритмов появилось несомненное влияние модерна.

Стилизация, в целом столь  характерна для этого времени, в  большой степени коснулась и  станковых произведений Нестерова. Это можно наблюдать в одном  из лучших полотен, посвящённых женской  судьбе, – «Великий постриг»: нарочито плоскостные фигуры монахинь «черниц» и «белиц», обобщённые силуэты, как  бы замедленный ритуальный ритм светлых  и тёмных пятен – фигур и  пейзажа с его светлыми берёзами и почти чёрными елями. И как всегда у Нестерова, пейзаж играет одну из главных ролей. Собственно пейзажный жанр развивается в конце XIX столетия также по-новому.

Уже в ранних пейзажах Константина  Алексеевича Коровина мир представляется «буйством красок». Щедро одарённый  от природы, Коровин занимался и портретом, и натюрмортом, но не будет ошибкой сказать, что любимым его жанром оставался пейзаж. Он принёс в искусство прочные реалистические традиции своих учителей из Московского училища живописи, ваяния и зодчества – Саврасова и Поленова, но у него другой взгляд на мир, он ставит другие задачи.

Щедрый живописный дар  Коровина блистательно проявился в  театрально-декорационной живописи. Коровин поднял театральную декорацию  и значение художника в театре на новую ступень, он произвёл целый  переворот в понимании роли художника  в театре и имел большое влияние  на современников своими красочными, «зрелищными» декорациями, выявляющими самую суть музыкального спектакля.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2. В.А. Серов и М.А.  Врубель – крупнейшие художники  на рубеже веков. 

Одним из самых крупных  художников, новатором русской живописи на рубеже веков явился Валентин Александрович  Серов(1865 – 1911). Его «Девочка с персиками»(1887) и «Девушка, освещенная солнцем»(1888) – целый этап в русской живописи. Серов воспитывался в среде выдающихся деятелей русской музыкальной культуры – отец был известным композитором, а мать – известной пианисткой, учился у Репина и Чистякова, изучал лучшие музейные собрания Европы. Вышеупомянутые портреты были написаны в Абрамцеве и вошли в искусство со своим собственным светлым и поэтичным взглядом на мир. В портретах Серова существуют принципы пленэрной живописи. Так, художник изображает людей в гармонии с миром, полных трепетности и внутреннего движения. Цвета даются в сложном взаимодействии друг с другом. Серов отходит от критического реализма своего учителя Репина к «реализму поэтическому» (термин Д.В. Сарабьянова). В отличие от импрессионистов, Серов никогда не растворяет в этой среде так, чтобы он дематериализовался, его композиция никогда не теряет устойчивости, массы и всегда находится в равновесии.

Серов часто пишет представителей художественной интеллигенции: писателей, артистов и художников (портрет Коровина1891, Левитана 1892, Орловой(1910–1911), Ермоловой 1905.

Всех их он интерпретирует индивидуально, но на всех них лежит  свет интеллектуальной исключительности и вдохновенной творческой жизни. Серов  формирует образ символический, передающий смысл целой эпохи.

«Петр I»(1907). Здесь Серову удается изобразить стремительное движение царя и нелепо поспешающих за ним придворных. Художник восхищается неординарностью своего героя.

Портрет, пейзаж, натюрморт, бытовая, историческая картина: масло, гуашь, темпера, уголь – трудно найти  живописные и графические жанры, в которых бы не работал Серов, и материалы, которые бы он не использовал.

Особая тема в творчестве Серова – крестьянская. В его  крестьянском жанре есть ощущение красоты  и гармоничности крестьянского  быта, восхищение здоровой красотой русского народа. «В деревне. Баба с лошадью», пастель(1898)

Особенно живописны его  зимние пейзажи с серебристо-жемчужной  гаммой красок «Зимой».

Серов был постоянно ищущим новые формы художественного  претворения реальности. Навеянные  модерном представления о плоскостности  и повышенной декоративности сказались  не только в исторических композициях, но и в его портрете танцовщицы Иды Рубинштейн.

Знаменательно то, что Серов  в конце жизни обращается к  античному миру. «Похищение Европы»(1910). Художник многогранен в своей  эволюции от импрессионической достоверности  портретов и пейзажей 80-90-х гг. к модерну в исторических мотивах  и композициях из античной мифологии.

Творческий путь Михаила  Александровича Врубеля(1856–1910) был более прямым, хотя при этом необычайно сложным. Начиная с Петербургского университета, где окончил юридический факультет до Академии художеств. У Врубеля полный таинственности и почти демонический стиль письма. Этот стиль не спутаешь ни с кем другим. Он лепит форму, как мозаику, из острых «граненых» кусков разного цвета, как бы светящихся изнутри («Девочка на фоне персидского ковра» 1886, «Гадалка» 1895)

Цветовые сочетания не отражают реальности отношения цвета, а имеют символическое значение. Натура не имеет над Врубелем никакой  власти. Он знает её, прекрасно владеет  ею, но творит свой собственный фантастический мир, мало похожий на реальность. В  этом смысле Врубель антиподен импрессионистам, ибо он никак не стремится к  фиксации непосредственного впечатления  от действительности. Он тяготеет к  литературным сюжетам, которые толкует  отвлеченно, стремясь создать образы вечные, огромной духовной мощи («Пляска Тамары», «Не плачь дитя, не плачь напрасно», «Тамара в гробу» и пр.). В 1890 г он создает своего «Демона сидящего» – произведение, по сути, бессюжетное, но образ вечный. Образ Демона – центральный образ всего творчества Врубеля, его основная тема. «Демон летящий» 1899, «Демон поверженный» 1902.