Техника живописи и используемые в процессе творчества материалы

В акварели можно условно выделить такие приемы письма, как: мазки, заливка, отмывка, растяжка, резерважи, «вытягивание»  краски и др.

      Мазки - это, пожалуй, один из самых распространенных способов письма в живописи, по характеру которых легко отличить динамичный рисунок от скучной работы. Наполненная краской кисть, соприкасаясь с поверхностью листа, выполняет то или иное движение, после чего отрывается от бумаги, завершая тем самым мазок. Он может быть точечным, линейным, фигурным, четким, размытым, сплошным, прерывистым и т.п.

      Заливка - прием, выполняемый в тех случаях, когда требуется прокрыть значительную площадь рисунка одним цветом или сделать плавные переходы между разными цветами. Исполняется по бумаге, наклоненной под углом, как правило, длинными горизонтальными мазками крупной кистью, таким образом, чтобы каждый следующий мазок стекал вниз и «захватывал» часть предыдущего, тем самым органически сливаясь с ним в одну фактуру. Если после завершения заливки остались излишки красящего пигмента, то их можно аккуратно удалить отжатой кистью или салфеткой.

      Отмывка - прием акварельной живописи, при котором используется сильно разбавленная водой краска - ею начинают писать прозрачные слои, неоднократно проходя те места, которые должны быть темнее. Общий тон каждого из участков изображения в итоге достигается путем повторных наложений этих слоев, при чем каждый из них наносится только после полного высыхания предыдущего, чтобы краски не смешались между собой. При этом не рекомендуют наносить более трех слоев краски, чтобы не появилась грязь. Поэтому чаще всего второй пропиской усиливают цвета полутонов, а третьей насыщают цвет теней и вводят детали. По сути, отмывка представляет собой многократную заливку одного тона на другой раствором одной концентрации. Чаще всего этот прием применяется архитекторами и дизайнерами, поскольку обычный чертеж не дает зрителю наглядного представления о форме и цвете постройки. Кроме того, работая цветом, архитектор находит наилучшее сочетание материала для восприятия задуманного, уточняет тональные отношения, достигает выразительного силуэтного и объемного решения проекта.

Градиентная растяжка – серия последовательных плавно переходящих друг в друга мазков, при которой каждый последующий является более светлым по тону, чем предыдущий. Кроме того, иногда так же называют плавный переход от одного цвета к другому.

      Часто в  акварели применятся такой метод,  как «вытягивание» краски. К еще  влажному живописному слою аккуратно  прикладывается чистая отжатая  кисть, волос которой впитывает  в себя часть пигмента с  бумаги, делая в нужном месте  тон мазка светлее. Лучше всего  краска вытягивается при письме  «по-мокрому», так как поверхность еще влажная и пигмент держит слабо. Если же мазок уже высох, его можно аккуратно смочить чистой мокрой кистью, после чего «вытягивать» краску до нужного тона. Однако по сухой бумаге этот метод менее действенен.

 Резерваж – это часть листа, которая сохраняется белой в процессе живописи. Настоящий акварелист соблюдает правила чистоты данной техники, отказываясь от белил. Поэтому уровень мастерства художника, помимо всего прочего, определяется умением качественно выполнить прием резерважа. Существует несколько основных способов.

      «Обходка» – самый сложный и самый «чистый» прием резервирования. При таком письме художник оставляет нужные места картины не закрашенными, аккуратно «обходя» их кистью. Метод выполняется как «по-сухому», так и «по-мокрому». В последнем случае нужно иметь в виду, что краска, нанесенная на сырую бумагу, растекается, поэтому резерваж следует выполнять с некоторым «запасом».

      Иногда при  создании акварельных работ используются  некоторые спецэффекты. 

      Например, кристаллики  соли, нанесенные поверх влажного  красочного слоя, впитывают в  себя часть пигмента, в результате  оставляя на бумаге неповторимые  разводы, движущиеся тональные  переходы. С помощью соли можно  получить подвижную воздушную  среду в картине, украсить луг  цветами, а небо звездами.

Определенный интерес  представляет собой акварель, выполненная  на предварительно мятой бумаге, благодаря  чему краска особым образом скапливается в местах перегибов листа, создавая дополнительный объем.

 Тонировка листа черным  чаем может способствовать визуальному  «старению» бумаги.

В некоторых случаях оправдывает  себя нанесение пигмента на лист путем  разбрызгивания (например, пальцем  с зубной щетки), т.к. воспроизвести  множество мельчайших точек обычной  кистью достаточно сложно и долго. Но при этом нужно иметь в виду, что частички раствора краски с жестких  волос щетки «разлетаются» практически  бесконтрольно, поэтому данный прием  требует определенного навыка.Интересный эффект дает обычная пищевая пленка, плотно приложенная к еще влажной краске и затем аккуратно снятая с листа. В завершении хотелось бы отметить, что, помимо основных изложенных, существует еще множество иных частных приемов и способов работы акварелью.

 

Бумага  для работы акварелью должна быть белая, плотная, высокого качества, с шероховатой поверхностью. Бумага с гладкой глянцевой поверхностью не годится для акварельной живописи: краска по ней скользит, иногда собирается капельками.

 

Наиболее распространённые кисти для акварели – беличьи. Их ворс набирает необходимое для живописи количество жидкости. Они отличаются мягкостью и позволяют наносить сочные мазки. Кроме того, беличьи кисти имеют заострённый кончик, что удобно для проведения тонких линий. Подходят для акварели собольи, колонковые, синтетические кисти – прочные и эластичные.

 

Монотипия в общепринятом понимании – разновидность печатной графики, когда в результате можно получить только один отпечаток. Приёмы монотипии широко используются в

акварельной живописи. В этой технике художник может по настоящему

оценить поэзию изображаемого, увидеть таинственные пейзажи, леса, горы в простом отпечатке акварельного пятна. Для проведения занятия потребуется большое количество бумаги, лучше глянцевой. Лист складывают пополам, на одну внутреннюю сторону

произвольно наносится несколько  акварельных пятен, затем бумагу быстро складывают и прижимают рукой. После раскрытия следует внимательно разглядеть отпечаток и пофантазировать, посмотреть что получилось. Полученный отпечаток можно дорисовать при помощи тонкой кисти.

Использование соли в акварельной живописи помогает получить очень красивую живописную фактуру, эффект звёздочек. Для работы можно пользоваться как крупной морской солью, так и обычной мелкой пищевой. Организация работы происходит следующим образом. Перед каждым учеником помимо акварельных красок и других художественных материалов ставится маленькая баночка с солью. Одной рукой юный художник покрывает поверхность бумаги акварелью, другой рукой сразу посыпает влажную краску солью. Эффект звёздочек появляется, когда соль начинает растворяться, а акварель – высыхать. Лишняя соль после высыхания стряхивается с поверхности бумаги. Данная техника подходит для изображения натюрморта с цветами, космоса, изготовления поздравительной открытки.

Использование воска в акварельной живописи. Для работы удобнее взять свечу белого или желтоватого цвета. Рисунок наносится свечой по предварительному тонкому рисунку карандашом. После нанесения рисунка воском поверхность бумаги прозрачно покрывается акварелью, при этом покрытые воском места остаются белыми. Данная техника великолепно подходит для изображения заснеженных пейзажей. Прорисованные воском деревья оставляют впечатление настоящего сказочного леса.

 

Техники и направления живописи

масло;

темпера;

эмаль;

гуашь (поскольку  в качестве основного материала  художник использует бумагу, характерную  для графических видов изобразительного искусства — классифицируется и  как графика; об этом говорит и  применение последней для создания монохромных произведений);

пастель (к этой технике справедливо замечание  аналогичное тому, что высказано  относительно предшествующей);

тушь (и в данном случае, как и в двух предыдущих — нельзя однозначно отнести к  графике; на Востоке, например, каллиграфия, по большей части использующая этот материал, традиционно считается  живописью, как, впрочем, и академическая  китайская живопись использовала по преимуществу именно тушь — ахроматическая гамма);

живопись по штукатурке: фреска и а секко;

граттаж

гризайль

карнация

лессировка

пуантилизм

сграффито

сфумато

клеевая живопись;

восковая живопись: энкаустика, восковая темпера и холодный способ (восковые краски на скипидаре);

живопись керамическими  красками;

живопись силикатными  красками;

акварельная живопись (техника акварели различна, некоторые  приёмы ближе к живописи, некоторые  — к графике; поэтому неслучайно в тезаурусе присутствует такой  оборот: «рисовать акварелью»)

сухая кисть;

акрил;

смешанная техника;

 

Техники живописи практически  неисчерпаемы. Всё, что оставляет  какой-либо след на чём-то, строго говоря, является живописью: живопись создаётся  природой, временем и человеком. Это  уже отметил Леонардо да Винчи.

 

Традиционные техники  живописи: энкаустика, темперная (с  яйцом), настенная (известковая), клеевая  и других типов. С XV века становится популярной живопись масляными красками; в XX веке появляются синтетические  краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Краски могут приготовляться из натуральных и искусственных пигментов.

 

Гуашь, акварель, китайскую  тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи.

 

Живопись может  быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе  на теле животного или человека —  татуировки), на металле, на асфальте, бетоне, стекле, керамике и т. д., и т. п.

 

Живопись встречается  и соседствует с пластическими  искусствами, в том числе с  архитектурой, скульптурой; она может  участвовать в формировании искусственной  и природной среды.

 

Живопись, как и  другие изобразительные искусства, иллюзорна: она — это имитация трёхмерного пространства в плоскости, достигаемая посредством линейной и цветовой перспектива. Но её визуальный и к тому же цветовой аспект (глаз воспринимает в одно мгновение практически бесконечную информацию) обуславливает исключительное место живописи среди всех изобразительных искусств.

 

В то же время, развитие искусства, изобразительных методов  и средств выразительности, давно  вывело за пределы понимания основных своих задач — «воспроизведение реальности». Ещё Плотин говорит: «Не  копировать природу, а учиться у  нее»; и этим принципом руководствуются  многие художники на протяжении многих веков. Поэтому задачи живописи подразумевают  не только такую организацию пространства на плоскости, которая руководствуется  и ограничивается воссозданием на ней  трёхмерной среды, мало того, отдельные  методы уже давно воспринимаются как «тупиковые» на пути развития искусства (в контексте понимания  и переосмысления адекватности восприятия). Плоскость, как и цвет, имеет самостоятельную  целостность и ценность, вместе они  диктуют свои условия в синтезе  форм и на плоскости как таковой, — и во взаимодействии с трёхмерно-временны́м пространством. Художник уже не может удовлетвориться набором иллюзорных приёмов («иллюзионизмом»), он следует потребностям нового понимания красоты, отказавшись от неактуальных методов самовыражения и воздействия на зрителя, ищет новых же форм таковых, диалектически возвращается к лучшему из отвергнутого, и таким образом приходит к пониманию и реализации новых же ценностей. Такое понимание методов и технических, выразительных задач искусства культивировали в числе других теоретиков и мастеров В. А. Фаворский и о. Павел Флоренский, а впоследствии — самостоятельно развивал сам В. А. Фаворский. Разумеется, это не единственный «верный» путь развития современного искусства и живописи, тем не менее, многие положения такого ви́дения весьма убедительны и продуктивны.

 

Относительно ошибочности  строгого исключения живописи из пластических искусств даже теория «ортодоксального»  искусствоведения также уже давно  сделала переоценку. Вот что сказано  не в каком-нибудь замысловатом концептуальном исследовании, а в «Популярной  художественной энциклопедии»: «Искусства пластические делятся, в свою очередь, на изобразительные и неизобразительные. К первым относятся живопись, скульптура, графика, монументальное искусство… К неизобразительным — относятся архитектура, декоративно-прикладное искусство и художественное конструирование… Границы между изобразительными и неизобразительными искусствами не абсолютны…»