Античный театр: художественные особенности и общественное значение

С течением времени  постановка греческих драм потребовала применения театральных машин. Самыми распространенными были эккиклема и эорема. Эккиклема – это выдвижная площадка на низких деревянных колесах. Ее выдвигали из центральной двери скены и показывали публике, что происходит внутри помещения. Эорема представляла собой агрегат, позволявший актерам подниматься в воздух. Несколько позднее она получила название «механэ», т. е. «машина».

Античные театры строили с таким расчетом, чтобы  в них была хорошая слышимость. Иногда для усиления звука в театрах устанавливали резонирующие сосуды, которые размещали среди мест для публики. Занавеса в таких театрах не было. Но изредка в некоторых пьесах кое-какие части проскения временно занавешивали.

Огромные размеры  театров привели к необходимости  использовать маски. Черты лица актёра зрители просто не смогли бы разглядеть. Каждая маска выражала определённое состояние (ужас, веселье, спокойствие и т. д.), и в соответствии с сюжетом актёр в течение спектакля менял собственные «лики». Маски были своеобразными крупными планами персонажей и одновременно служили резонаторами - усиливали звучание голосов.

Система масок  была очень подробно разработана. Они  покрывали не только лицо, но и голову актера. Окраской, выражением лба, бровей, формой и цветом волос маска характеризовала пол, возраст, общественное положение, нравственные качества и душевное состояние изображаемого лица. При резком изменении душевного состояния актер в разные свои приходы надевал различные маски. В иных случаях маска могла быть приспособлена и к изображению более индивидуальных черт, воспроизводя особенности привычного облика мифологического героя или имитируя портретное сходство с высмеиваемыми в комедии современниками. Благодаря маске актер легко мог выступать на протяжении одной пьесы в нескольких ролях. Маска делала лицо неподвижным и устраняла из античного актерского искусства мимику, которая, впрочем, все равно не доходила бы до огромного большинства зрителей при размерах греческого театра и отсутствии оптических инструментов. Неподвижность лица компенсировалась богатством и выразительностью телодвижений и декламационным искусством актера.

Иногда маски  вырезали из дерева, иногда изготовляли  из полотна . Если маска была полотняной, то ткань натягивалась на каркас, обмазывалась гипсом, а потом расписывалась яркими красками.

 В представлении греков  мифические герои превышали обыкновенных  людей ростом и шириной плеч. Трагические актеры носили поэтому  котурны (обувь с высокими ходулеобразными  подошвами), высокий головной убор, с которого спускались длинные кудри, и подкладывали подушки под костюм. Ярко окрашенные природными красителями ткани, из которых шили сложные костюмы, также укрупняли и подчёркивали фигуру. Цвет одежды наделялся символическим значением. Цари появлялись в длинных пурпурных плащах, царицы - в белых, с пурпурной полосой. Чёрный цвет означал траур или несчастье. Короткая одежда полагалась вестникам. Также символичны были атрибуты, например оливковые ветви в руках просящих. Маски в комедиях были карикатурными или являлись шаржированными портретами известных людей. Костюмы обычно подчеркивали непомерный живот, толстый зад. Артистов хора иногда одевали в костюмы животных, например лягушек и птиц в пьесах Аристофана.

Актёры в Древней Греции считались людьми уважаемыми. Только свободнорожденный мужчина мог играть в театре(они исполняли и женские роли). Сначала в спектаклях принимали участие хор и только один актёр; Эсхил ввёл второго актера, Софокл - третьего. Один исполнитель обычно играл несколько ролей. Но поскольку большая часть пьесы проходила не перед глазами зрителей (они узнавали о происшедших событиях от слуг, вестников, домочадцев и прочих), то появилась возможность обойтись малым количеством актеров. Если в драмах имелись немые роли, то их исполняли статисты.

 Помимо хорошей  дикции и умения декламировать  стихи, актеры должны были хорошо  петь. Это было нужно для того, чтобы в патетических местах  пьесы исполнять монодии (арии). Для актеров были разработаны  специальные упражнения, занимаясь  которыми постоянно, они достигали наибольшей силы и звучности голоса, а также выразительности и безупречной дикции, т. е. они доводили певческое искусство почти до полного совершенства. Немного позднее в действие пьес стали вводиться некоторые элементы танцев, поэтому актерам нужно было учиться хорошо владеть своим телом.

  Обычно хор не принимал участия в действии - он обобщал и комментировал события. В комедиях Аристофана появилась и особая партия — парабаза, когда хор снимал маски и от своего имени обращался к залу.

Представления в театрах шли с рассвета до заката. Поэтому зрители, которые находились в театре, там же пили и ели. Горожане надевали свои лучшие одежды, на голову – венки из плюща. Пьесы представлялись согласно жребию, о начале каждой из них возвещала труба.

Афинская публика выражала свои эмоции очень непосредственно. Если зрителям нравилось представление, то они громко кричали и аплодировали. Если же пьеса не интересовала зрителей, то они свистели, топали ногами, кричали. Иногда актеров прогоняли со сцены, бросая в них камни. Практически всегда успех драматурга зависел от суждения народа о его произведении.

Искусство сцены, родившееся в Древней Греции, стало  основой европейского театра. Именно в туда лёгкую пору сформировались ведущие жанры драматургии, возник сам тип зрелища. 

Древнеримский театр

По своему культурному  развитию этруски и греки намного  превосходили римлян. Этруски познакомили  римлян с греческой мифологией и  алфавитом. К III веку до н. э. римляне  хорошо знали всех греческих богов, но дали им свои имена.

Что касается литературы и искусства, то римляне просто позаимствовали у греков многое. Но в римской  культуре были и свои, присущие только ей одной черты, берущие начало в  глубокой древности. Да и то, что  было взято у греков, они кардинально  переработали и адаптировали к потребностям и вкусам римской публики.

Римский театр и драма  так же, как и в Греции, берут  свое начало в сельских празднествах по случаю сбора урожая. Еще в  то время, когда латиняне жили в Лациуме  небольшой общиной, после окончания жатвы они устраивали праздники. На народных гуляньях люди распевали веселые, немного непристойные песни с грубоватыми шутками и насмешками, которые назывались «фесциннины». В этом принимали участие обычно два полухория, между которыми, собственно, и происходил обмен язвительными колкостями.

Фесциннины  зародились при родовом строе, пережили много перемен в обществе и  существовали несколько веков. В  этих песнях находила отражение социальная борьба между патрициями и плебеями. Римская знать пыталась обуздать фесциннинские насмешки, но это ей плохо удавалось. Поэтому в Риме был издан закон и установлено строгое наказание тому, «кто будет порицать другого в злобных стихах».

Кроме фесциннин, существовала еще одна форма представлений  – сатура. Ее можно считать истоком римской драмы, которая испытала на себе влияние культуры этрусков.

Возникновение этого театрального жанра довольно интересно описал римский историк  Тит Ливий в I веке до н. э. Он рассказал, что в 364 году до н. э. Рим постигло большое несчастье. Кто-то из путешественников завез инфекционное заболевание. Началось моровое поветрие. Для того чтобы боги смилостивились к римлянам, было решено устраивать на улицах сценические игры, «дело новое для воинственного народа, так как до этого зрелища ограничивались только конскими бегами».

Для этих целей  пригласили актеров-этрусков. Они были плясунами, исполнявшими свои танцы  под аккомпанемент флейты. После  того как этруски дали несколько  представлений, им стала подражать  римская молодежь. Молодые римляне  добавили к пляскам жестикуляцию и шуточные диалоги, которые были написаны стихами без рифмы. Так постепенно появилась сатура, что в переводе означает «смесь».

Сатуры представляли собой сценки бытового и комического  характера, состоявшие из диалога, пения, музыки и танцев. О том, что на формирование римского театра большое влияние оказала этрусская культура, говорит тот факт, что слово «гистрион» имеет этрусские корни. Этим словом в Риме стали называть тех людей, которые развлекали народ. Это название перешло и в средневековый театр.

Помимо сатур, в Риме существовал еще один вид  комических представлений, который  называли «ателлана». В римский театр  такого рода комедии попали во время  многолетней войны в Южной  Италии. Там был небольшой городок  под названием Ателла, в котором жили племена осков. Люди из этих племен во время народных гуляний разыгрывали небольшие комические сценки, весьма понравившиеся римлянам. Сыновья римских граждан увлеклись такими сценками, они довольно быстро прижились в Риме. Видимо, по названию местности, откуда представления были привезены в Рим, их стали называть «ателлана». Участие в представлении ателланы не считалось зазорным, но, когда у римлян появилась литературная драма, профессия актера стала позорной.

В ателлане имелось  четыре постоянных персонажа, которых звали Макк, Буккон, Папп и Доссен. Это были комические персонажи. Макк представал перед публикой всегда в ипостаси дурака, которого все били и обманывали. Он был тем не менее очень влюбчивым. Имелся у него большой недостаток – он был обжорой. Внешний вид его был такой: лысый, с крючковатым носом, ослиными ушами и в короткой одежде. Буккон – это парень с раздутыми щеками и отвислыми губами, любитель хорошо поесть. Но губы у него отвисли не из-за большого количества потребляемой пищи, а от частой болтовни. Но в отличие от Макка Буккон не был дураком. Папп представлял собой богатого, скупого и глупого старика, Доссен – хитрого горбуна, невежду и шарлатана, который своей ученой болтовней умел заморочить необразованным людям голову и внушить таким образом уважение к собственной персоне.

Текстов для  ателланы не писали никогда, поэтому  во время представления актеры могли  импровизировать, как угодно.

На основе народной драмы возник также и мим, который  пришел в римский театр из Греции. В мимах разыгрывались небольшие сценки из повседневного быта, а иногда и на мифологические темы, т. е. в сатирическом виде представлялись боги и герои. Отсюда видно, что в Риме имелись такие же обрядовые игры, что и в Греции.

На рубеже новой  эры наибольшим успехом в Риме пользовались комедии, написанные как подражание греческим образцам, - паллиаты. Сам термин произошёл от названия греческого широкого плаща - палия; в таких одеждах ходили герои этих произведений. Действие пьес происходило в Греции и соответственно персонажи были греками. Однако часто всё греческое - имена, названия городов и т. д. - становилось просто декорацией: герои занимали должности, существовавшие в Древнем Риме, упоминались римские монеты, а само поведение этих "греков" скорее напоминало поведение римлян. Создателем паллиаты был римский поэт Гней Невий (около 270-201 до н. э.), а расцвет жанра связан с именем Тита Макция Плавта (около 250-184 до н. э.). Своим творчеством он заложил основы европейской комедии нового времени.

Имя драматурга - Макций -указывает на то, что, возможно, он исполнял роль Макка в ателлане."Плавт" в переводе с латыни означает "плосконогий", поэтому существует предположение, что Плавт был плясуном: такие актёры носили особую плоскую обувь. Плавт в своих комедиях стремился прежде всего к занимательности.Он широко использовал такой художественный приём, как контаминация (от лат. contaminatio - "соприкосновение", "смешение"): в одной пьесе "смешивал" фрагменты сюжетных линий пьес разных греческих авторов. В пьесах Плавта интересны не только главные герой, но и второстепенные. В "Хвастливом воине", например, появляется флейтистка, которая выдаёт себя за почтенную матрону. Здесь - прямая связь с небольшими забавными сценками ателланы, которые разыгрывались для развлечения и поучения простодушных зрителей. Комический эффект рождал и приём к квипрокво, что на латыни буквально значит "кто про что". Выразительный пример применения "квипрокво" - диалог Эвклиона и Ликонида из пьесы "Клад". Эвклион (первый скупой европейской драмы) рвёт и мечет по поводу пропажи горшка с золотом, а Ликонид пытается рассказать безутешному скупцу, что лишил невинности его дочь. Но юноша говорит не прямо, а иносказательно, и Эвклион решает, что тот признаётся в краже горшка. Соединение реплик, в которых не назван предмет обсуждения, и приводило к путанице, заставляло зрителей от души веселиться. Большое место в комедиях Плавта занимали контики (от лат. cando - "пою") - музыкальные номера, арии и речитативы, произносившиеся под музыку.

Самый деятельный и энергичный герой в пьесах драматурга - раб наперсник. Плавт вывел на сцену типичные для римского общества того времени образы - нахлебника, сводника, хвастливого воина, ростовщика. Имена героев обычно значимы. Так, имя хвастливого воина - Пиргополиник - означает "башне градоразрушитель". Другой известный римский драматург, писавший паллиаты, - Публий Теренций Афр (ок. 185-159до н. э.) был рабом из-под Карфагена. Он получил имя Теренций по имени своего хозяина, выучившего его и отпустившего на волю. Слово "афр" означало происхождение (африканец). Образцом для Теренция (как и для Плавта) стали комедии древнегреческого драматурга Менандра. Теренций много внимания(и в этом чувствуется греческое влияние) уделяет обычному человеку, семейной тематике. Он сатирически рисует и нравы своего времени, и неизбежные конфликты отцов и детей, и ветреность молодёжи, и излишнее морализаторство старшего поколения, но делает это мягче, чем другие авторы. Идеал Теренция - взаимопонимание и взаимоуступки, он призывает к разумным компромиссам, умению слушать друг друга. Герои, как правило, исправляются, или их пороки оказываются не столь ужасными. Комедии Теренция проигрывают сочинениям Плавта в сюжетной остроте и динамичности, но знакомят зрителей с более сложными характерами. В комедии "Свекровь", например, важны не столько сюжетные хитросплетения, сколько драматические переживания героев. Как и у Плавта, у Теренция обязательно есть хитрый раб: он или ведёт интригу, или окончательно сбивает всех столку. Большую роль играет случай, который помогает героям найти родных, получить приданое или наследство, а влюблённым - соединиться.

Как в III веке до н. э., так  и позже, почти до середины I века до н. э., постоянного театрального здания в Риме не было. Построить его  не разрешал консервативно настроенный сенат. Представления устраивались во время самых разных государственных праздников. Трагедии и комедии ставились на празднике патрициев – Римских играх, которые отмечали в сентябре и посвящали Юпитеру, Юноне и Минерве; на празднике плебеев – Плебейских играх, устраивавшихся в ноябре; на Аполлоновых играх в июле. Кроме того, пьесы ставились во время триумфальных и погребальных церемоний, выборов высших должностных лиц и пр. Во время празднеств сценические игры очень часто совмещали с цирковыми играми и сражениями гладиаторов.

Для представлений  строили деревянную площадку, расположенную  на возвышении высотой в половину человеческого роста. На нее актеры всходили по узкой лесенке, состоящей из 4 – 5 ступеней. Декорации были примитивными, т. е. в трагедии действие всегда происходило перед дворцом, в комедиях – на городской улице, на которую выходили фасады 2 – 3 домов. Зрительские места располагались перед сценой. Публика сидела на деревянных скамьях. Но бывало и такое, что по распоряжению сената скамеек для зрителей не ставили. Патриции говорили, что сидеть на представлениях – это признак изнеженности. После окончания игр все сценические подмостки ломались.