Искусство 20 века

16.Абстрактный экспрессионизм

Представителями абстрактного экспрессионизма были Джексон Полок (1904 – 1984), Вильям де Кунинг (1912 – 1956), Марко Ротко (1903 – 1970). Послевоенный абстракционизм прямо не связывал себя с геометрической традицией абстракционизма (К. Малевич, П. Мондриан). Живопись действия выросла, опираясь на иррациональные основы сюрреализма. Единственная функция искусства – действие, которое выполняет сам художник. Живопись Джексона Полока поддерживается проекцией действия. Наиболее важное в творчестве: автоматизм – творческий процесс, а не получаемый результат. Этот метод творчества кажется простым, но вместе с тем и сложным. Создавая композицию, художник свободно льёт, наливает краски на полотно. Эти работы очень экспрессивные и очень оживлённые. Основная проблема, которую решают эти художники – отношение цветов. Принципы живописи действия в США дальше развивали постживописные абстрактные направления (hard-edge, color-field).

В Европе аналогичный  французский ташизм или искусство informel. Это ветвь развивалась параллельно  американской, влияя на множество  разнообразных художественных исканий: международные датско-бельгийско-голландские группы живописи СоВга, гуманистические скульптуры Альберта Джакомега.

«Живопись действия«. В рамках американского абстракционизма  была развита так называемая «бесформенная  живопись» Джексона Поллока, который  считал процесс творчества самоценным, а результат не важным, имевшим смысл только как воспоминание о творческом процессе, оставшееся на полотне. Возвращаясь к первобытному синкретизму, Поллок трансформировал живопись в священный танец художника. Поллoк вешал полотно на стену или клал его на пол, «совершая» вокруг него некий шаманский обряд, художник, по его словам, «входил внутрь живописи». Он выработал технику получившию название дриппинг, которая состояла в разбрызгивании красок из банки (французская параллель – «ташизм» – живопись пятнами.)

Художественный метод  Поллока получил в Англии название «живописи действия«. В 1952 году на выставке в Париже его живопись произвела  грандиозное впечатление на жаждущих очередного нового слова критиков. Многие, правда, оспаривали оригинальность техники Поллока, видя что-то похожее в изображениях Хартунга 1922 года.

Другим знаменитым европейским представителем «живописи  действия» был Жорж Матье, приблизивший технику экстаза к спектаклю. Он устраивал свои сеансы живописи в присутствии публики, на глазах которой испещрял полотно закорючками, запятыми и точками. Во время своих шоу, сопровождавшихся музыкой, он был облачен в средневековый костюм. Матье признан основателем «исторической абстрактной живописи» (еще один очередной перл его величества интерпретации. Эта живопись «отличается от обыкновенной исторической живописи тем, что ничего не изображает – ни людей, ни костюмы, ни аксессуары». (Авагян Т.И.)

Исторической она  стала потому, что критики Матье  соблаговолили приписать его закорючкам и пятнам способность выразить массовые народные движения, борьбу за власть династий и т.д. Такая идея пришла им в голову, благодаря названием картин («Битва Бувине», «Капетинги повсюду» и др.) Перерастая в искусство постмодернизма, «искусство действия» приобретает более выраженные формы. Например, хеппенинг – это наиболее распространенная форма «искусства действия«. В основе его лежит незапланированное действие, осуществляемое художником при участии присутствующей публики, когда как бы стирается грань между реальностью и художественным творчеством.

Другая форма «искусства действия» перформанс - состоит в  исполнении определенных заранее спланированных действий перед собравшейся публикой. Но в отличии от хеппенига в  нем наличествует определенный заранее заготовленный сценарий. Кроме того в перформансе не принимает активное участие публика, довольствуясь лишь ролью зрителя.

Акция – так, обобщая, называют «искусство действия«, заменяющее художественное произведение жестом, разыгранным представлением или спровоцированным событием. Своими корнями «искусство действия» уходит в первые десятилетия двадцатого века, в творчество футуристов, дадаистов и сюрреалистов. Расцвет искусства действия приходится на 60-70 годы. В нем реализуется одна из ведущих идей модернизма о процессуальном характере искусства. «Искусство действия» квинтэсенция идеи о превалировании творческого акта над его результатом, с другой стороны оно воплощает другую характерную тенденцию искусства 20-го века – стремление уничтожить грань между искусством и действительностью, растворить художественный жест в окружении, спонтанно протекающих процессах жизни.

17 Поп-Арт

 После второй  мировой войны в Америке сформировался  большой социальный слой людей,  зарабатывавших достаточно денег,  чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi’s джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Ток формировалась массовая культура. Вещи становились символами, стереотипами. Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы.

Поп искусство (поп-арт) воплотило в себе творческие искания  новых американцев, которые опирались  на творческие принципы Дюшана. Это: Джаспер Джонс, К. Олденбург, Энди Уорхол, и другие. Поп искусство получает значение массовой культуры, поэтому неудивительно, что оно сформировалось и стало течением искусства в Америке. Их единомышленники: Гамельтон Р, Тон Китай в качестве авторитета выбрали Курта Швитерса. Поп искусству свойственно произведение – иллюзия игры, объясняющая суть объекта. Пример: пирог К. Олденбурга, изображенный различными вариантами.

Художник может  не изобразить пирог, а рассеять иллюзии, показать, что человек видит по-настоящему. Р.Раушенберг также своеобразен: он приклеивал к полотну разные фотографии, их обрисовывал и к работе приделывал какое-нибудь чучело. Одна из известных его работ – чучело ежа. Также хорошо известна его живопись, где он использовал фотографии Кенеди. Можно считать, что произведения Р. Раушенберга довольно политизированы, но это не меняет их значения. Его искусство очень внушительное. 

Д.Джонс, один из первых художников использовавший для сюжета картины Государственный символ – флаг, работа «Флаг». На ней точно изображён флаг США и только. Позже создал работу «три флага», здесь изображены три флага США, находящиеся один на другом.

Р. Лихтенштейн - это  один из весёлых художников. Для  своих сюжетов он использует картинки комиксов. Как и предположение взятое из контекста, так и эти картинки кажутся не особенно умными. Но в них художник говорит о любви, человеческих отношениях. Выполнив работы тонами одного цвета художник укрепляет иллюзию, что бы это возвысило рисунок. Подобно ему работал и Е. Вархоп, его композициях многочисленные повторения изображений жестяных бутылок COCA COLA, портреты Элвиса Пресли. Таким образом, он обратил внимание на сформировавшиеся стереотипы и символы. В своих произведения он использует символ демократии – Coca cola или М. Монро - символ сексуальности и красоты. Такие работы выполненные в стиле поп искусства, понятны людям. Поп искусство балансирует на грани абсурда и иронии.

Сформировавшаяся  ветвь поп искусства: гиперреализм – направление постмодернизма, целенаправленно на фотографическое воспроизведение банальной ежедневности. Множество создателей поп искусства используют творческие методы, пришедшие из дадаистских экспериментов (общество «Dada»), когда форма не моделирована из материала, но составлена из искусственных объектов.

Поп искусство так  же имело влияние и для искусства  среды без хеппенинга. Художники  вступали в эксперименты с реальными  объектами. Уже абстрактный экспрессионизм противоречил идее произведения искусства, как законченного объекта. Хотя его  представители не стремились превратить живопись в публичную акцию и сам живописец был зрителем своих действий, публике было предложено в мыслях воссоздать то, как работа получала форму.

Другой шаг –  переход к действию который был  бы не только частью творческого процесса, но и частью самого творчества. Это воплощено в хеппенинге – переходит к пустому действию, которое становится частью художественного действия. Первооткрывателем этого считался Ив Клейн. Именно он взялся за нетрадиционные образы искусства. Действуя под влиянием стихий созданные работы он назвал «космогонией».

В 1960 в галерее  искусства в Париже, для музыкантов, играющих различные произведения, он создал картины «живой кисточкой»- покрашенными в голубой цвет обнажёнными  моделями. Они прижимаются к полотнам всем телом оставляя отпечаток. Эти действия поражали зрителей. Им было показано прямое действие, вернее множество происходящих действий без комментария, логики. И действующий человек, и предмет, и сам зритель- это художественная совокупность одинаковых действий.

Такие  не были пригодны для галерей, музеев, они воплощали  художественные и интеллектуальные настроения того времени. Классики хеппенинского  поп искусства также как Диво «Аварии» или Ольденбурга «Магазинные  дни», происходили в создании среды самих художников. Художественной среды ощущения хепининг выплёскивает в ситуацию, в которой значатся звуки, жесты, ощущения и даже запахи. Зрителю не предоставлялась никакой схемы сюжета и понять ощущения было заботой его самого.

В Европе авторами хеппенинга были В. Фостел с Й. Бойк. Англичане Гелберт и Георг прославились своим произведением «Поющая скульптура»- оба участника с позолоченными лицами стояли на возвышении и имитировали песню. Их задачей было выразить идею стиля и стилизации. Они представили себя как живую скульптуру, таким образом в подтексте было ясно: всё, что они делали, должно было быть принято как искусство.

После господства абстракции искусство перестало чуждаться жизни и злободневности, привлекалось все, что может возбудить интерес, – атомная бомба и массовые психозы, портреты политических деятелей и кинозвезд, политика наравне с эротикой.

Роберт Раушенберг на выставке в Нью-Йорке в 1963г. он рассказывал о создании своей  первой картины «Постель». Он проснулся  ранним майским утром, полный желания принялся за работу. Желание было, но не было холста. Пришлось пожертвовать стеганным одеялом – летом можно обойтись и без него. Попытка забрызгать одеяло краской не дала желаемого эффекта: сетчатый узор стеганного одеяла забирал краски. Пришлось жертвовать подушкой – она давала белую поверхность, необходимую для выделения цвета. Других задач художник перед собой не ставил.

Выставочные залы Европа и США стали похожи на выставки поделок самодеятельных кружков  народных умельцев и изобретателей, ведь техника поп-арта была исключительно разнообразна: живопись и коллаж, проецирование на полотно фотографий и слайдов, опрыскивание с пульверизатора, комбинирование рисунка с кусками предметов, и т.д. Понятно, что критика относилась к такому искусству по разному, одни говорили о вырождении искусства или, на худой конец, обновленной форме натурализма, другие говорили о новом этапе в развитии искусства, называя поп-арт «новым реализмом» или «сверхреализмом». Многие отмечали на Международных эстетических конгрессах депрофессионализацию многих современных художников. Демократизм поп-арта критики отмечали в том , что зритель может стать героем произведения , если он входит внутрь него, присаживается на нем отдохнуть или видит свое отражение в зеркале, то есть принимает участие в той игре, которую ему предлагают.

Поп-арт нужно  принимать как реальность и отдать должное изобретательности создателям произведений этого направления  современного искусства, ведь для создания конструкций использовались новые  достижения науки и техники. Искусство поп-арта тесно переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама броско и навязчиво пропагандирует товарный стандарт. Как и в рекламе, главными сюжетами поп-арта стали автомашины, холодильники пылесосы, фены, сосиски мороженое, торты, манекены и.д. Некоторые громкие имена художников помогали сбывать товар. Так кумиром промышленников стал Энди Уорхол, поднявший изображение товаров до уровня икон. Для создания своих картин Уорхол использовал консервные банки бутылки кока-колы, потом и денежные купюры.

Подписанные им банки  консервов раскупались моментально. Такое радение торговцы щедро  вознаграждали. Эндри Уорхен стал экспериментировать и в кино, он отснял более 100 фильмов. Большинство многочасовых фильмов было не возможно смотреть. Например: фильм «Сон» длился более 6-ти часов. Был просто снят спящий человек. Зато в таком фильме из-за частой рекламы не потеряешь нить происходящего, – замечал его создатель.

Англия. Мировую известность поп-арт приобрел в своем американском варианте, но корнями течение уходит в деятельность художников, архитекторов и критиков лондонской «Независимой группы» (Эдуардо Паолоцци, Уильям Тернбалл, Ричард Гамильтон, Лоуренс Оллоуэй, Сэнди Уилсон и др.). В 1952 году эта группа объединяется для обсуждения вопросов современной культуры, философии, кибернетики, теории информации, масс-медиа (пресса радио, телевидение), популярной музыки, кино и дизайна. Особо пристально рассматривалось все, что было связано с массовой культурой – мода, американский вестерн, научная фантастика, иллюстрированные журналы. Эта группа не испытывала типичного отвращения интеллектуалов к коммерческой культуре.

Напротив, ее потребляли с энтузиазмом, принимая как факт. Вскоре появились работы, выражающие новую художественную идеологию. Самая знаменитая – картина-коллаж Р.Гамильтона «Так что же делает современные дома столь необычными, столь привлекательными?», впервые продемонстрированная в 1956 году на выставке под названием «Это – завтра». Данное произведение становится классическим, программным произведением поп-арта. Оно представляет собой монтажное объединение вырезок из «цветных» журналов. Интерьер дома среднего потребителя, который начинен предметами комфорта с рекламных страниц: это и магнитофон, и телевизор, естественно газета, на стене вместо картины увеличенный фрагмент комикса. За окном, конечно же, виден кинотеатр. Центральная мужская фигура вырезана из рекламы культуризма, обнаженная женская тоже явно из какого-то журнала. Образ реального мира вытеснен скоплением фиктивных имиджей масс-культуры. Выбирая метод коллажа, автор демонстрирует свою «непричастность» к созданному образу, так как он сознательно фиксировал готовые изображения, не интерпретируя их.