Искусство 20 века

«Готовые» изображения  стали популярны в среде художников. Вскоре возникло новое направление, яркими представителями которого в Англии были Э.Паолоцци, Питер Блейк, Ричард Смит, Патрик Колфилд, Питер Филлипс,Аллен Джонс и Джеральд Лэнг.

США. Тогда как  в Англии поп-арт основывался на теоретических обсуждениях явлений современной культуры, в Америке его двойник возник спонтанно под воздействием внутренней ситуации в мире искусства. Американский поп-арт родился как отрицание абстрактного экспрессионизма. В 1951 году была издана антология дадаизма, вызвавшая к себе сильный интерес художников. Методы Дада – коллаж, комбинирование реальных объектов на холсте, а также «реди-мейд» Дюшана стали точкой отсчета в дальнейшем опредмечивании живописи и уничтожении границ между искусством и реальностью.

Поп-арт многое перенял  от «живописи действия», по крайней  мере ее негативные установки. Одним  из произведений Раушенберга являлся  рисунок абстракциониста де Кунинга, стертый новоявленным автором. Сегодня 10 картин этого общепризнанного  мэтра современного искусства экспонируются в Эрмитаже, будучи подаренными музею самим художником. 

18 Оп-арт (англ. ор art, сокращ. от optical art – оптическое искусство) – направление в искусстве XX в., получившее широкое распространение в 1960-х годах.

Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Эффекты пространственного перемещения, слияния, парения форм достигались введением ритмических повторов, резких цветовых и тональных контрастов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

В оп-арте часто применялись  установки меняющегося света, динамические конструкции (см. кинетическое искусство). Иллюзии струящегося движения, последовательной смены образов, неустойчивой, непрерывно перестраивающейся формы возникают в оп-арте только в ощущении зрителя. Направление продолжает техницистскую линию модернизма.

Виктор Вазарели  ВАЗАРЕЛИ, ВИКТОР (Vasarély, Victor) (наст. фамилия Vásárhelyi, Вашархей) (1906–1997), французский художник и теоретик искусства, основоположник оп-арта.

Родился в городе Печ (Венгрия) 9 апреля 1908 в семье  зажиточного крестьянина-фермера. С 1925 обучался медицине в Будапеште. Решив  стать художником, в 1927–1929 занимался  в местных частных академиях, попутно работая в сфере коммерческого дизайна. В 1930 уехал в Париж, где открыл бюро рекламной графики; пользовался с той поры романизированным вариантом своей фамилии в качестве псевдонима. 

Перенес опыт плакатиста в свою раннюю черно-белую графику, основанную на оптических эффектах «перетекания» абстрактных форм и узоров в фигурные и наоборот. Активно занимался и живописью такого же рода, где натурные мотивы во все большей степени превращались во фрагменты некоего тотального орнамента, разрушающего традиционные представления о зрительном соотношении переднего и заднего планов. Для периода «Belle-ile» («Прекрасный остров»; 1947–1954) характерны эллиптические конфигурации, мягкие и природные по ритмике, чуть позднее начался отчасти параллельный «Кристаллический период» (1948–1960) с его более строгим геометризмом. Однако, в отличие от представителей конструктивизма, его интересовала не столько геометрическая структура произведения как такового, сколько визуальное поле между произведением и глазом. Это поле у него стало воистину игровым, порождая бесконечные пространственные «обманки». В 1950-е годы Вазарели начал придавать своим образам и реальную пластическую трехмерность, создавая рельефные цветные композиции, а также скульптуры в виде прозрачных подсвеченных ящиков со стеклянными пластинами внутри. В любом случае более всего его интересовала чисто иллюзорная пластика, тот оптический «третий мир», что обретает живой кинетизм в игре контрастных форм и цветов. Посвятил этому «третьему миру» Желтый манифест, названный так по цвету бумаги, на которой он был напечатан (1955), – манифест, ставший программой оп-арта.

Отныне его картины  и графика стали «пластическими единицами» («unites plastiques»), которые уже  можно было продолжать разнообразно комбинировать и без участия автора. Авторская поэтика играла свою роль, – например в мерцающих Космических структурах конца 1950-х годов (Метагалактика, 1959, галерея Д.Рене, Париж; и др.), в большинстве своем названных именами созвездий, – но в целом личный стиль Вазарели становился все более массовым, тиражным, переходя в руки помощников и потребителей (как Вазарели подчеркивал в теоретических текстах, такого рода комбинаторика и тиражность лишь дополнительно обогащают произведение). Образы мастера не только воплощались в виде архитектурных сооружений и монументального декора (композиция Пара-виста на полу Факультета естественных наук в Париже, 1967), не только активно влияли на моду, упаковку и дизайн в целом, в том числе на украшающие новые здания «суперграфику», но и производились в виде коммерческих продуктов (декоративные объекты и детские игрушки). В 1976 в Экс-ан-Прованс, в здании, построенном по проекту самого Вазарели, был открыт фонд его имени. С 1982 музей художника существует в его родном городе.

Вазарели - один из основоположников так называемого оптического искусства, или оп-арта, хронологически совпавшего с поп-артом (1960-е годы). Следуя основной идее этого творческого направления, художник вовлекает зрителя в созерцание иллюзионистического эффекта, прибегая ко всякого рода оптическим трюкам. Как создать с помощью только законов геометрии образ равно реальный и иллюзорный - задача, всецело увлекавшая Вазарели на протяжении всей его творческой жизни.

19. Перфомансы / хэппенинги / акции. 

Цель - любое (часто  специально отрицательное) эмоциональное воздействие.

Определить границу - где кончается искусство, и что  не искусство.

Провокация - создать  не искусство – получается искусство.

Принципы – нет  красивого, нет позитива / не символично, конкретно, одно не изображает другое / концептуально/ нет итога / основное это процесс. 

1. перфоманс –  это представление-действие во  времени, которое совершает персона-художник, воспринимаемое как зрелище, потому  что, рассчитана как воздействие  на публику-зрителя.

2. хэппенинг –  событие, по сценарию, но с активной импровизационной составляющей, без репетиций. Публика – главный участник. Задача спровоцировать публику на любые действия. Чтобы не произошло – цель достигнута.

3. Акция. Событие  направленное на определенную  цель, на определенное действие.  
 
 
 

Начало движения в 50-60 годы

Возникновение понятия  «жест художника». (действие или  поступок)

Превращение процесса творческого созидания в продукт (важен сам процесс)

Публичное создание произведения.

Приглашение к сотворчеству.

Все что исходит от или из художника – все является искусством 

Личности.

Ив Кляйн , (Yves Klein)

1957: Провозглашение  «эпохи синего цвета», выставил  одиннадцать монохромных синих  картин одинакового формата, но  различной цены.

В 1958 в парижской  галерее состоялась выставка работ Кляйна «Пустота.» Посетители вернисажа получали на входе синий коктейль и препровождались после этого в совершенно пустую белую комнату.

В 1962 предложил продать  свою «живописную чувствительность»  в обмен на золотой лист (золотой  лист в обмен на сертификат). Поскольку «чувствительность» Клейна была нематериальной, покупателю предлагалось сжечь сертификат, в то время как Клейн бросал лист в Сену .

Жест - продажа пустоты / ответ - покупка пустоты

Жест - за пустоту  – только золото / ответ – золото

Жест – избавление от золота, публичное / ответ – «документирование» события на кино- фото- и выгодная продажа этого материала

В 1960 Кляйн создал свои первые антропометрии - слепки женских  тел на бумаге.

(не рукотворный  процесс создания произведения) отпечаток действия. 

Пьеро Манцони

1961 выставил своё  собственное дыхание в воздушных  шарах.

- подписывал тела  других людей, объявляя их живущими  произведениями искусства.

- разместил собственные  фекалии в 90 пронумерованных консервных  баночках (по 30 граммов в каждой) и написал на них «Дерьмо художника» на четырёх языках. В последующие годы баночки оказались во многих художественных собраниях, получая значительные премии по всему миру. Есть сообщения, что позднее некоторые из них взорвались… Моя ассоциация - консервы - «Воздух Парижа».)))

- создал «волшебный  постамент», взойдя на который  каждый становился произведением  искусства. 

Джон Кейдж 

- исполнение музыки - тишины в зале со зрителями  (4мин 33 сек.) Окружающая среда  +зрители изменяют тишину каждый раз по новому. А в совершенном бункере будет слышна музыка серцебиения.

/Одновременное соединение  видимых и слышимых событий  в полифеноменальном контрапункте  — таким ему представлялась  реальность. И искусство звуков  должно было отвечать такому  видению мира, отражать такой взгляд на мир. Именно поэтому в сферу музыки Кейджа вошли явления, бывшие ранее немузыкальными — звучащие и незвучащие объекты действительности. 

Аллан Капроу (A.Kaprow)

18 хэппенингов в  шести частях (18 Happenings in 6 parts) октябрь 1959.

Зрители, рассаженные  в трех смежных отсеках, отгороженных полупрозрачными перегородками, ясно видели происходящее в своем помещении  и смутно – в соседних. В каждом из 18 хэппенингов доминировал какой-нибудь один элемент театрального зрелища  – музыка, танец, демонстрация слайдов, декламация. Зрителям предлагалось приобщиться к зрелищу «естественным образом», съев апельсин. Из других источников - выпив бокал вина,))) 

Вито Аккончи

"Кровать из  семени", в рамках которого  художник под специальным прозрачным настилом в галерее мастурбировал и разговаривал со зрителями. 

Группа Fluxus (с 1961 г.).

Теоретик Fluxus-движения - Дик Хиггинс 

- Искусство это  не профессиональная деятельность.

- Стирание границ: внутри культуры и различных  искусств / между искусством и жизнью/ между зрителем и действом / между «художественным» и «не художественным»

- Действие абсурда

Fluxus-концерт, Карнеги-  холл, в 1964 году- концерт на измененных  по звуку музыкальных инструментах. 
 

Отдельное направление  – воздействие на свою телесность.

Улай

раннее творчество

- эксперементы с  фотополотном, контактный метод.

- выставка засвечивающихся  (уничтожающихся) в присутствии зрителя  работ,

- зеркальный костюм, отражение зрителей / уничтожение  отражения путем падения-захлопывания  изображения.

- «опыты» Улая, с  собственной кожей. Серия фотографий: татуировка на руке / операция  по удалению этого лоскута  кожи / выставленная в рамочке  собственная кожа с татуировкой 

- совместно с Абрамович  опыты над собственными телами  и возможностями.

"Отношения в пространстве", «Связанные волосы» - крики, удары-столкновения, неподвижность и тд.

Тема социальных взаимодействий. Перфомансы задокументированны на видео.

«Прогулка по великой  китайской стене» - акция завершения совместной работы.

Ив Клейн

На звание «типичного представителя» шестидесятых – по большому счету самого яркого и искреннего десятилетия постмодерна - найдется вереница претендентов. Иву Клейну не нужно расталкивать их локтями: летящей походкой в ритме джайва и рок-н-ролла, имея «черный пояс» мастера дзюдо, он без напрягов вошел в историю арт-авангарда. И хотя Клейн прожил всего 34 года и умер в 1962-ом, когда все только начиналось, его ультрамариновая клякса виделась следующему поколению многоточием, которое требовало продолжения.

Концептуальное искусство эпохи «пост» оказалось наиболее демократичным за всю историю цивилизации, оно позволило человеку, не нарисовав ни единой картины либо обладая сомнительными художественными талантами, называться художником. Достаточно быть всего лишь незаурядной личностью – «деятелем», обладающим чуйкой на время, филигранно живописать «завитки вокруг пустоты», тщательно продумывая всякий раз новые пощечины общественному вкусу.

Ив Клейн начинал  в 50-е, выставив на суд жюри парижского «Салона новой действительности»  монохромное полотно оранжевого цвета. Кроме этого цвета на картине не было ничего, ни оттенков, ни линий, ни точек. В последствии свои работы Ив Клейн будет претенциозно подписывать «Yves le Monochrome». Главным действующим лицом своих картин он надолго сделает Его Величество Цвет, сосредоточившись на разнообразных оттенках синего. Он рассказывал, что 19-летним юношей, лежа на пляже в Ницце, был потрясен красотой неба, пережил инсайт и предпринял «реалистично-воображаемое путешествие» по небесным просторам. После этого Клейн утверждал, что поставил подпись на небе, которое и станет центральной темой его творчества. Вместе со знакомым химиком художник создал новую краску – лучезарно ультрамаринового цвета, которая была запатентована и теперь известна всем как 1KB (International Klein Blau – «Синий Клейн Интернасьональ»).