Первые российские промышленные выставки

1. Первые российские  промышленные выставки. Участие  России в международных промышленных  выставках.

Советский дизайн и выставка 1925 г. в Париже

Экспозиция

Советский раздел Международной выставки декоративных искусств и

художественной промышленности, проходившей  в 1925 г. в Париже,

размещался в нескольких павильонах. Экспозиции, посвященные де-

коративно-прикладному искусству, полиграфии, рекламе, архитектуре,

театру и художественному образованию, располагались в Гран-Пале

(это здание с ажурным металлическим  перекрытием было построено в

1900 г. к Всемирной выставке). Интерьеры демонстрировались в от-

дельной галерее на эспланаде Дома инвалидов. Кустарные промыслы,

книги Государственного издательства и товары Госторга — в павильоне,

построенном по проекту Константина Мельникова. Отдельно у набе-

режной располагались 12 уличных киосков, спроектированных Мель-

никовым и оформленных Александрой Экстер. 

Согласно девизу выставки, любая  стилизация объявлялась недо-

пустимой, экспонаты должны были воплощать новую эпоху желез-

ных дорог, аэропланов и автомобилей. Поэтому еще в 1924 г. парал-

лельно со сбором экспонатов по разделам «Искусство улицы»,

«Искусство книги», «Архитектура», «Художественно-промышлен-

ное образование», «Искусство текстиля», «Народное искусство»,

«Искусство мебели» началось проектирование нескольких специ-

альных объектов: самого выставочного павильона СССР, интерьера

показательного рабочего клуба  и избы-читальни. Павильон Мель-

никова — одно из наиболее ярких произведений архитектуры и ди-

зайна 1920-х гг. Архитектор задумал это небольшое двухэтажное

здание в форме прямоугольника, прорезанного по диагонали лест-

ницей. С открытой лестницы посетители и попадали либо на пер-

вый, либо на второй этаж

Мельников — архитектор дизайнерского  склада. Композиция

многих его построек 1920-х гг. — рабочих клубов, гаражей —  рождалась

исходя из организации функциональных процессов. Клуб им. И.В. Ру-

сакова в Сокольниках (1927— 1929) получился похожим на фрагмент

шестеренки с выступающими на уровне второго яруса объемами

«зубьев». Эти объемы — не что  иное, как дополнительные зрительные

залы со сдвижными перегородками, расположенные на уровне бель-

этажа и открытые в основной зал. При необходимости можно было

проводить несколько мероприятий  одновременно либо занимать все

пространство.

Одним из наиболее крупных экспонатов парижской выставки стал

рабочий клуб, демонстрировавший новый  в социальном отношении

тип интерьера. Мебель и оборудование строили в Париже по

чертежам, разработанным Александром  Родченко. «Начинку» — кни-

ги, плакаты и фотографии — привезли из Москвы. Родченко задумал

клуб как многофункциональное  пространство. Центром трансформа-

ции помещения служила раскладная трибуна. Снабженная экраном,

раздвижной стенкой для плакатов, горизонтальным подиумом для

экспонатов или выступлений  чтецов, она должна была служить  свое-

го рода универсальной декорацией для лекций, театрализованных ве-

черов и бесед.

Многофункциональными были задуманы и остальные предметы:

стол читальни с поворотной плоскостью, фонарь с общим и направ-

ленным светом, шахматный столик на двоих с поворотной доской

(устроенной так, чтобы игроки  могли меняться цветом фигур,  не вста-

вая с мест).

Присмотревшись к проектам, постройкам, макетам и образцам

графического дизайна советской  экспозиции, помимо единства об-

щего впечатления некой рациональной деловитости, аскетичности,

нетрудно заметить ряд повторяющихся  конструктивных схем: зигза-

гообразная линия, крест, квадрат с продолженными сторонами. Они

встречаются в проектах и обложках Клуциса, Родченко, Гана, тканях

и костюмах Степановой и Поповой, в архитектуре Мельникова и Вес-

нина. Выразительность любого конструктивистского проекта, графи-

ческой композиции зависела не столько  от проработки деталей или

тонких пропорциональных различий, сколько от принципиального

соотношения основных частей (вертикали  — горизонтали, темного —

светлого, верха — низа, правого  — левого), от четкости основной

структурной схемы. В качестве таких исходных фундаментальных

принципов построения могли выступать  и симметрия — как зеркаль-

ная, так и динамическая, и отдельные простые геометрические фор-

мы: круг, треугольник, прямоугольник. Обыгрывание этих схем, гра-

фических архетипов составляло главную композиционную тему

конкретного объекта.

Именно на выставке в Париже конструктивизм был столь концент-

рированно представлен как новая тенденция современного искусства.

 

2. Дизайн Московского  метрополитена.

В 1930-е гг. разрабатывалось несколько  крупных проектов, к которым

привлекались многие художники, архитекторы, оформители и дизай-

неры. Прежде всего это строительство Московского метрополитена,

Всесоюзной сельскохозяйственной выставки, проектирование Двор-

ца Советов. Московское метро задумывалось как образцовая транспортная система. Ее дизайнерская суть рассматривалась в демонстрационных

рисунках 1931 г. , где намечена связь метро и города, показан принцип

движения пассажиров по эскалатору, расположение перронов, входов

и выходов. Внешним атрибутам придавалось такое же значение, как и непо-

средственно архитектурно-строительным работам. Художник-график

Л.А. Раппопорт придумал логотип —стоящую на двух ногах

букву М. Модельеры разработали  несколько типов форменной одеж-

ды — для машинистов, дежурных по станции, даже для продавцов

мороженого в метро. Станции, их убранство и конструкцию проекти-

ровали многие известные архитекторы, среди них А.Н. Душкин,

И.А. Фомин, Н.Д. Колли, Д.Н. Чечулин. В оборудование станций входили не только турникеты или разменные кассы, но и скамейки, книжные и цветочные киоски, указатели. Этим занималось 12-я архитектурная мастерская Моссовета, в которой работали и проектировщики интерьеров комбината «Правда». Киоски и кассы были решены в «аэродинамическом» стиле, характерном для транспортного дизайна 1930-х гг., — скругленные формы, обилие металлических накладных деталей. В такой стилистике прочитывался образ метро как технически совершенной системы, все детали которой работают как часы. Особое место занимали средства визуальной информации и коммуникации. Необходимо было не только показать схему линий «подземки», обозначить места пересадок, но и выбрать хорошо читаемый шрифт, разработать технологию изготовления надписей.

За основу конструкции вагонов  московского метро был взят берлинский образец, но вместо трех дверей было сделано четыре, изменилась и внутренняя отделка сидений и стен (вагон типа А). В 1940 г. художник-дизайнер В.А. Стенберг по заказу метрополитена разработал интерьер вагона типа Г. В салоне были удобные мягкие кожаные диваны, закругленные металлические поручни, светильники полусферической формы. Кресла предполагалось размещать не вдоль стен, а устроить внутри вагона своего рода небольшие секции, купе. В дальнейшем от идеи купе отказались, но абрис поручней, тип светильников, сам рисунок стен, контуры дверей и окон сохранились вплоть до 1970-х гг.

3.  Стиль Хай-тек  
Стиль хай-тек сформировался в начале 1970х годов как архитектурный стиль. Одним из первых объектов, воплотившим концепцию этого направления стал, Национальный центр искусства и культуры им. Жоржа Помпиду в Париже (1977). Хай-тек успешно развивался в 80-е и 90-е годы, активно влияя на развитие архитектуры и промышленного дизайна. Наряду с этим хай-тек уверенно завоевывает дизайн жилой среды. Основы этого самого «острого», ультрасовременного стиля были заложены еще в начале 20 века представителями функционализма и конструктивизма. Идеи архитекторов-новаторов Мис ван дер Роэ и Ле Корбюзье, концепция "дом — машина для жилья", техногенные мотивы в архитектуре и интерьере стали для современных дизайнеров источником вдохновения. А появление в конце 20 века новых технологий и материалов наполнило эти идеи новым содержанием и дало толчок к дальнейшему развитию стиля. Хай-тек имеет все возможности стать еще одним «большим», то есть охватывающим различные сферы искусства и жизни, стилем. По этому поводу один из самых известных мировых дизайнеров Карим Рашид заметил: "Дизайн хай-тек – это нечто неизмеримо большее, чем декорирование стен, окон и подбор мебели. Это создание целой инфраструктуры, в которой соединяются аспекты физического, физиологического и социального опыта человека". Основные черты стиля. Использование высоких технологий в проектировании, строительстве и инженерии зданий и сооружений. Использование прямых линий и форм. Широкое применение стекла, пластика, металла. Использование функциональных элементов: лифты, лестницы, системы вентиляции и другие, вынесенных наружу здания. Децентрированное освещение, создающее эффект просторного, хорошо освещённого помещения. Широкое использование серебристо-металлического цвета. Высокий прагматизм в планировании пространства. Частое обращение к элементам конструктивизма и кубизма (в противоположность био-теку). В виде исключения жертвование функционалом в угоду дизайну. Коммуникации не прячутся за стенами, конструктивные элементы не маскируются, а становятся стилеобразующими декоративными элементами. Обилие света, блеск широко используемого стекла и металла вызывает ощущение легкости и парения – ощущение будущего. Материалы. стекло, хром, алюминий, пластик — характерные материалы хай-тека. Однако в современной интерпретации стиля используют и другие строительные и отделочные материалы, в том числе натуральные. Главное, чтобы их качество и отделка были на высоте, а структура соответствовала техногенному характеру интерьера. Цветовая гамма. Для стиля хай-тек в целом характерна скупая цветовая гамма: белый, черный, серый с металлическим блеском или серебристый. Однако сдержанный колорит интерьера часто оживляют введением цвета. Это либо яркая экстравагантная деталь мебели, например, необычной формы красное кресло, либо окрашенные в разные цвета (по аналогии с промышленными помещениями) коммуникации: воздуховоды, вентиляционные шахты, трубопроводы. 
Элементы и аксессуары интерьера. Непременные атрибуты стиля хай-тек – функциональность, лаконичность, строгая геометрия форм. Интерьер изобилует пустыми плоскостями и вертикальными линиями. Инженерно-строительные коммуникации и детали крепежа, которые в интерьерах других стилей обычно маскируют, в хай-теке становятся элементами декора. Техникой в интерьере сегодня никого не удивишь, но в хай-теке она играет лидирующую роль, причем это непременно самая современная аппаратура и самые оригинальные девайсы. Считается, что аксессуары в таком интерьере излишни, однако предметы с техногенного вида: металлические шары, декоративные движущиеся конструкции, геометрических форм вазы здесь вполне уместны. Зеркала – без рам, на стенах вместо картин – постеры или черно-белое фото. 
Мебель. Мебель отличается простотой геометрических форм, практичностью и строгостью, при этом в помещении, оформленном в стиле хай-тек, ее должно быть немного – только самое необходимое для комфортной жизни. Основное требование к мебели — эргономичность. Часто используются мебельные трансформеры, стеллажи, встроенная мебель. Мягкая мебель только с однотонной обивкой или с геометрическим рисунком. Поверхности корпусной мебели – гладкие, блестящие, но не из полированного дерева, а из современного пластика. Много стеклянных поверхностей, металлических деталей. Освещение. Освещение – важнейший элемент интерьера в стиле хай-тек. Светильники из стекла и пластика, встроенные и подвесные, разноуровневые лаконичные и функциональные, участвуют в формировании пространства и являются значимым стилеобразующим фактором. Пол, потолок, стены. Стены в стиле хай-тек – светлые, однотонные, гладкие или шероховатые, цементные, напоминающие промышленные интерьеры. Часто используется и кирпичная кладка. Открытое пространство хайтековского интерьера может трансформироваться, функциональные зоны скрываются или, наоборот, выставляются напоказ с помощью полупрозрачных раздвижных перегородок с алюминиевым каркасом. Пол однотонный, цвет и фактура его покрытия может использоваться как средство зонирования. Потолок чаще всего натяжной, дающий возможность устроить скрытое освещение. 
Окна и двери. Дверей в хайтековском интерьере немного, ведь его пространство должно быть максимально открытым, а те, что все же необходимы, делают раздвижными, из армированного стекла в алюминиевой раме, подсвечивают светодиодами, которые придают помещению фантастический вид. Пластиковые окна отлично подходят для такого интерьера, а лучшая одежда для них – жалюзи или тонкие однотонные ткани.

4. Проблемы формообразования  в предметно-пространственной среде  на рубеже ХIХ−ХХ вв.

Всемирные промышленные выставки сыграли  значительную роль в становлении  и развитии дизайна. На этих выставках  технические изделия подобно  произведениям искусства впервые  были представлены на всеобщее обозрение  как экспонаты. Здесь выявились  основные недостатки эстетики форм первых промышленных изделий. В угоду запросам обывателя, а также вследствие инерции  мышления самих художников, первые промышленные изделия имитировали  старые формы ручной работы с обильным украшением декором.  Однако собранные  на выставке вместе в таком большом  количестве они продемонстрировали безнадежно дурной вкус. В результате чего необходимость поиска нового формообразования, основанного на иных эстетических принципах, отвечающего особенностям технологии машинного производства, стала очевидной. Обсуждение этих проблем имело большой  общественный резонанс и стало первым серьезным осознанием социально-эстетических аспектов предметной среды. Началось исследование принципов образования эстетически  действенных форм в сфере промышленного  производства. Формирование эстетических теорий материальной культуры на рубеже Х1Х-ХХ веков происходит в период зарождения нового вида художественной деятельности – дизайна и сопровождается повышением интереса в определенных художественных кругах к общей теории художественных форм. В это время  возникает большое количество специальных  журналов, которые выступили с  общей платформой объединения усилий для комплексного исследования различных  видов искусства, включая и художественную деятельность по преобразованию материальной среды: «Pan»(1895),

 

5. стиль  поп-арт. 
«Поп арт» возник в конце 50-х  в Америке  и представлял собой творчество индивидуалов, которые проводили перформансы и хэппенинги в своих студиях. Термин "поп-арт" впервые применил английский критик Л.Оллоуэй для обозначения этого направления в художественном авангарде. "Поп" означало соответствовать времени и быть модным. Поп-арт это мир знаков и символов, которые вошли в массовую культуру и отложились в сознании как общий визуальный опыт.  В последствии знаки и образы поп-культуры соединялись в контексты, рождая новые связи и разрушая принятые. Энди Уорхол, Роберт Рашенберг, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист пожалуй, были самыми известными представителями поп-арта. Художники поп-арта черпали своё вдохновение в обыденных предметах, которые производились миллионным тиражом. Несомненный интерес для них представляла реклама, комиксы и мир средств массовой информации. Консервные банки, страницы журналов, электроника, фотографии, билеты и т.д.  всё это активно обращалось в творчество создателями поп-арта. Предметы многократно копировались и монтировались в коллажи, ассамбляжи. Абсолютно потребительское мировоззрение и поп-дизайн, который был неотделимо связан и американская мечтой, в начале 60-х овладел и всем западным миром. Идея производства добротных товаров на века вдруг резко сменилась лозунгом "сегодня использовал - завтра выбросил". Это явило собой прорыв в философии промышленного производства и дизайна. Такие «поп-артовские» темы, как детский стул из гофрокартона, цветное пневматическое кресло из поливинилхлорида - стали символами всёпоглощающей "культуры недолговечности". Товары в стиле поп–арт отличались яркими цветами, смелыми формами и дешёвой ценой. Яркий, возмущающий спокойствие, вызывающий и провокационный – поп-арт был выбором для молодых. Излюбленным материалом у поп-дизайнеров стал пластик, процесс изготовления которого в 60-е годы был уже хорошо освоен и изготовлялся в различных видах. Пластик привлекал молодых художников своей низкой ценой и разнообразием цветов. Дизайнер Энзо Мари одним из первых начал экспериментировать с пластиком. Поп-дизайн вместе с другими течениями анти-дизайнерской направленности противостоял "современному движению" (функцианализму, модернизму), заявлявшему "меньше - значит лучше" и привел к радикальному дизайну 70-х. Средства массовой информации всячески способствовали популяризации поп-дизайна. Поп-арт не противоречил функционализму, хотя развивал свои принципы формообразования и в противоположную сторону. Например, дизайнер Ален Джонс создал в натуральную величину полуобнаженных красавиц, которые одновременно были предметами мебели, поставив вопрос о границе между искусством и функциональным дизайном. Поп- арт в интерьере привлекает неординарных личностей, способных украсить интерьер не дорогой антикварной вазой, а консервной банкой, которая при этом не вызовет диссонанса. Чрезмерности в поп-арте практически не бывает, хотя, казалось бы, идёт полное смешение цвета и фактуры. Тем не менее, если Вы решили обустроить свой интерьер в стиле поп- арт, вам стоит придерживаться правил и характерных черт для того, что бы создать именно то, что называется поп-артом. Минимум мебели и встроенные шкафы, скрывающие излишки предметов, в качестве декора - любое проявление современной поп-культуры - от дорогостоящих настоящих объектов современного искусства, до самодельных панно из подставок для пива, обязательно комиксы, изображения поп звезд, логотипы известных брендов - все это будет смотреться уместно в интерьере в стиле поп арт. В духе поп-арта сочетать несочетаемое. Так же этот стиль предпочтительнее создавать в просторных помещениях. Стены могут быть различных цветов, равно как и текстиль. Яркие образы и формы притягивают глаз, концентрируют на себе внимание и создают непосредственную атмосферу вечного праздника.

 

6. Дизайн как составной  элемент культуры.

 
7. Баухауз: разработка принципов формообразования промышленной продукции. 

В начале XX в. в Европе существовали четыре крупных центра нового стиля: Франция, Германия, Россия и Голландия. Но лишь в России и Германии возникли совершенно новые типы учебных заведений — школы универсального дизайнерского профиля с оригинальными и в чем-то похожими принципами построения учебных программе. В 1916 году прошла Октябрьская революция, вслед за ней Ноябрьская в Германии, что вызвало активизацию творческой деятельности, направленной на поиск революционных идей. Так в 1919 году в небольшом германском городе Веймаре был создан "Баухауз, первое учебное заведение, призванное готовить художников для работы в промышленности. Баухауз- это объединение Веймарской академии художеств и школы Ван де Вельде. Школа, по мнению ее организаторов, должна была выпускать всесторонне развитых людей, которые сочетали бы в себе художественные, духовные и творческие возможности. Прежние художественные школы не выходили за пределы ремесленного производства. Во главе "Баухауза" стал его организатор, прогрессивный немецкий архитектор Вальтер Гропиус, ученик Петера Беренса.Его целью было создать такое учебное заведение в котором бы объединились все виды художественного творчества и сотружество учащих и учащихся. Обучение начаналось с вводного курса, на котором учащимся нужно было приобрести ряд навыков, которые давали ему возможность учиться обращению с разными материалами, формой, цветом, кто успешно его оканчивал начинал изучение специальных предметов в мастерских: мебели, керамики, металла, текстиля, настенная живопись, сценическая декорация, графическая и фотографическая. Вводный курс Гропиус поручил вести молодому швейцарскому художнику Иоганессу Иттену. Бритый наголо, он и своей одеждой напоминал монаха-буддиста. Главное в своих занятиях со студентами он видел в эмоционально-чувственном воспитании, умении контролировать себя и свои движения, творческую энергию. Иногда занятиям предшествовала дыхательная зарядка. Вместе с Иттенос с самого начала в Баухаусе работали: немецкий скульптор Герхард Маркс и Лайонел Файнингер, затем присоединился художник Пауль Клее. После этого все больше и больше приходило людей из абстрактных группировок: Оскар Шлеммер, Василий Кандинский Моголи-Надь. Также в числе его профессоров были крупнейшие деятели культуры начала XX столетия архитекторы Мис ван дер Роэ, Марсель Брейер, Пит Мондриан. Изделия "Баухауза" несли на себе ощутимый отпечаток живописи, графики и скульптуры 20-х годов с характерным для того времени увлечением кубизмом, разложением общей формы предмета на составляющие ее геометрические формы. Образцы, выполненные в стенах школы, отличает энергичный ритм линий и пятен, чистый геометризм предметов из дерева и металла. Чайники, например, могли быть скомпонованы из тира, усеченного конуса, полукружия, а в другом варианте - из полукружия, полусферы и цилиндров. Все переходы от одной формы к другой предельно обнажены, нигде нельзя найти желания их смягчить, все это подчеркнуто контрастно и заострено. Текучесть силуэта можно проследить в изделиях из керамики, но это выражение свойств материала - обожженной глины.