Стили в искусстве

      Возрождение или Ренессанс (фр. Renaissance - «Возрождение») - культурно-философский движение конца  Средневековья - начала Нового времени, основывался на идеалах гуманизма и ориентировался на наследие античности. В искусстве Ренессанс - название стиля, пришедшего на смену готике.

      Искусство этого времени было озарено идеями гуманизма, верой в творческие силы человека, в безграничность его возможностей, в разумное устройство мира, в торжество прогресса. В искусстве на первый план выдвигаются проблемы:

      - Проблемы гражданского долга,

      - Высоких моральных качеств,

      - Подвига,

      - Образа прекрасного, гармонично  развитого, сильного духам и  телом человека - героя, который  смог подняться над уровнем повседневности.  Поиск такого идеала и привел искусство к синтезу, обобщению, к раскрытию общих закономерностей явлений, к выявлению логичного взаимодействия. Искусство Высокого Ренессанса отказывается от частичностей, незначительных подробностей во имя обобщенного образа, во имя отражения гармоничного синтеза прекрасных сторон жизни.

      Леонардо  да Винчи (И452 - 1519 гг) был первым художником, который наглядно воплотил эти идеи. Высшее отображение  гений Леонардо нашел в портретной живописи. В своих портретах художник достиг особенного впечатление эмоциональной многозначности, содержательной неисчерпаемости благодаря чему его образы безграничны в познании и открывают зрителю новые и новые стороны души, разума, внутреннего мира человека. Леонардо был известнейшим художником своего времени, гений, который открыл новые горизонты искусства. Он оставил после себя много произведений, но каждое из них стало эталоном в истории культуры. Леонардо известен также как разносторонний ученый. Его научные открытия и изобретения в отрасле летательных аппаратов не потерявши своего значения и на сегодняшний день.

      Одной из самых знаменитых картин в мире является портрет Моны Лизы Джоконды. О портрете написаны сотни страниц: как Леонардо устроил сеансы, приглашая музыкантов, чтобы не угасла на лице модели улыбка, так долго (что характерно для Леонардо) работал над портретом, как пытался совершенстве передагы каждую черту этого живого лица. Портрет Моны Лизы Джоконды - это решительный шаг на пути развития ренессансного искусства. Впервые портретный жанр стал на один уровень с композициями на религиозную и мифологическую тему.

      В этом портрете труднодоступную задачу, которую поставил перед собой великий художник, заключалось в том, чтобы на картине был отражен не один какой-нибудь момент состояния человека, а сложный и длительный процесс ее душевной жизни.  

      На  портрете Моны Лизы достигнут тот  уровень обобщения, который, сохраняя всю неповторимость изображенной индивидуальности, позволяет рассматривать образ как типичный для эпохи Высокого Ренессанса. Главная идея этого обобщения:

        - чувство собственной значимости,

  - высокое право на самостоятельность духовной жизни.

      Такое обобщение достигнута целым рядом соответствующих формальных моментов: плавным контуром фигуры и мягким моделированием лица и рук, окутанный леонардовским "сфумато". Це "сфумато" создает неуловимую эмоциональную среду и, подобно музыке, вызывает у нас ощущение внутреннего богатства. Нежная улыбка Моны Лизы в сочетании с открытым взглядом умных, чуть насмешливых глаз "сфумато" раскрывают противоречивость, невыразительность и многогранность ее натуры. Именно эта неуловимость скрытых чувств заставляют многих критиков считать образ Моны Лизы загадочным и таинственным.

      Идеи  монументального искусства Возрождения, в которых слились традиции античности и дух христианства, нашли наиболее яркое отражение в творчестве Рафаэля (1483 - 1520 гг.) В его искусстве  нашли зрелое решение две основные задачи: пластическое совершенство человеческого тела, которое отражало внутреннюю гармонию всесторонне развитой личности, в чем Рафаэль наследовал античность, и сложное многообразие мира.

      Никто из мастеров Возрождения не воспринимал так глубоко и естественно язычной сущность античности, как Рафаэль. Неслучайно его считают художником, который наиболее полно связал античные традиции с западноевропейским искусством нового времени.

      На  протяжении всей жизни Рафаэль ищет образ гармоничного совершенства человека. Этот образ он нашел в Мадонне, многочисленные изображения этого образа снискали ему всемирную славу. Заслуга художника заключается в том, что он сумел отразит самые темные оттенки чувств в идее материнства, объединив лиричность и глубокую эмоциональность с монументальным величием. Это видно во всех его картинах с изображением Мадонны, начиная с юной застенчивой "Мадонны Конестабиле" у "Мадонны в зелени","Мадонны со щеглом","Мадонны Грандука"," Мадонны в креслах "и особенно в вершине Рафаэливского духа и мастерства - в "Сикстинской Мадонне ". Без сомнения, это был путь преодоления простодушного толкования беззаботной материнской любви к образу, наполненного высокой духовностью, трагизмом, построенного на совершенном гармоничном ритме: пластическом,калоритичном,линейном. Но это был также путь последовательной идеализации. Однако в "Сикстинский Мадонне" это идеализирующее начало отходит на второй план и уступает место трагическому ощущению, которое излучается из этой идеально прекрасной молодой женщины с младенцем - Богом на руках, которого она отдает во искупление человеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен мимо зрителя, полон скорбного предсказание трагической судьбы сына (взгляд которого тоже не по-детски серьезный).

      "Сикстинская  Мадонна" - один из наиболее совершенных произведений Рафаеля и в образном языке композиции: фигура Марии с младенцем, четко вырисовывается на фоне неба, соединенная общим ритмом движений с фигурами св. Варвары и Сикста IV, жесты которых обращены в направлении Мадонны, как и взгляды двух ангелов в нижней части композиции. Личности их объединены общим золотым колоритом, которое как бы символизирует божий свет. Но главное - это тип лица Мадонны, в котором воплощен синтез идеала красоты с духовностью христианского идеала, который был даже характерным для мировоззрения Высокого Возрождения.

      Третий  выдающийся мастер Высокого Возрождения - Микеланджело (1475 -1564 гг.) Скульптор, архитектор, живописец и поэт. Намного пережил Леонардо и Рафаэля. Первая половина его творчества приходится на период рассвета искусства Высокого Ренессанса, а вторая на годы феодально-католической реакции. Из блестящей плеяды художников Высокого Ренессанса, Микеланджело превзошел всех наполненностью образов:

      - передовыми идеями,

      - гражданским пафосом,

      - чувствительностью к изменениям  общественного настроения.

      Отсюда  и творческое воплощение разрушения ренессансных идей.

      Наиболее  полно талант Микеланджело раскрылся  в скульптуре. Начиная с первой своей работы "Ваюс", в которой  он изображает античного Бога вина обнаженным юношей, обнаженное прекрасное тело отныне и навсегда становиться для Микеланджело главным и, по сути, единственным предметом искусства.

      Одна  из ранних работ Микеланджело - статуя Давида, высотой более пяти метров, которую он создал для своей родной Флоренции, потому что именно Давид защищал свой народ и справедливо им правил. Установка этой статуи перед зданием правительства Флоренции имела особое политическое значение. В это время, в самом начале XVI в., Флорентийская республика, прогнав своих внутренних тиранов, была полна решимости бороться как с внутренними, так и с внешними врагами. Хотели верить, что маленькая Флоренция может победить, как когда-то юный мирный пастух Давид победил великана Голиафа.

      Два главных скульптурных замысла проходят почти через всю биографию Микеланджело: гробница папы Юлия ІІ и гробница Медичи. Не менее грандиозным и, к счастью, завершенным замыслу была роспись потолка Сикстинськой капеллы при Ватиканском храме[4].

      Центральную часть потолка Микеланджело посвятил сценам святой истории, начиная от создания мира. Под живописным карнизоц он написал пророков и сивил, в люнетах (арках над окнами) изобразил эпизоды из Библии и предков Христа как простых людей, занятіх будничными делами.

Основная  идея росписи Сикстинской капеллы- апофеоз творческого могущества человека, прославление ее телесной и духовной красоты.

      Поетическому  творчеству Микеланджело свойственна  любовь к человеку, вера в ее красоту  и величие. Он воспевал любовь, обращался  к темам  горького разочарования и одиночества художника гуманиста в мире, где царствует насилие. Наиболее любимыми поэтическими формами Микеланджело были мадригал и сонет.

      Живописец, скульптор, поет, Микеланджело был также  и гениальным архитектором. Им выполнены  парадная лестница флорентийской библиотеки Лоуренцианы, оформленная площадь Капитолия в Риме, восстановлены ворота  Пиа (Ропа Риа), с 1564 г. он работает над собором Св. Петра, начатым еще Браманте. Микеланджело принадлежит рисунок и чертеж купола, который был завершен уже после смерти мастера и до сих пор является одной из доминант в панораме города.

      Историческое  значение искусства Микеланджело, его  влияние на современников и на последующие эпохи трудно переоценить. Некоторые исследователи трактуют его как первого художник и архитектора барокко. Но больше всего он интересен нам как носитель больших реалистических традиций Ренессанса.

      В разделе, был рассмотрен ренессанс, как стиль пришедший на смену готике. В ходе было изучено творчество Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

4. Стили в искусстве  Нового Времени 

      Новое время - эпоха, которая охватывает период с XVII до конца XIX в. После этого начинается период так называемой "новейшей истории", что продолжается и по наше время. Контуры неоевропейськой культуры стали проявляться в XVII в. Реформация, начавшаяся в эпоху Возрождения, была уже зародышем культуры нового типа.

      В странах Европы возникают оригинальные художественные школы и литературные направления, в которых по-разному находят отражение два крупных художественных стилей в европейском искусстве того времени - барокко и классицизм.

      Барокко (итал. barocco - причудливый) - художественный стиль, преобладающий с конца XVI до середины XVIII вв. в искусстве Европы. Этот стиль зародился в Италии и распространился в других странах после эпохи Ренессанса. Основные черты барокко - парадность, торжественность, пышность, динамичность, жизнеутверждающий характер. Искусству барокко свойственны смелые контрасты масштабов, света и тени, цвета, совмещение реальности и фантазии. Особенно необходимо отметить в стиле барокко слияние различных искусств в едином ансамбле, большую степень взаимопроникновения архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства. Это стремление к синтезу искусств - основополагающая черта барокко.

      Стиль барокко был призван прославлять  и пропагандировать могущество власти, знати и церкви, но вместе с тем  он выразил прогрессивные идеи о  сложности мироздания, безграничности и многообразии мира, его изменчивости. Человек в искусстве барокко воспринимается как часть мира, как сложная личность, переживающая драматические конфликты.

      Особенность барокко - не соблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем. Архитектура  барокко отличается пространственным размахом, текучестью криволинейных форм, слиянием объемов в динамическую массу, богатым скульптурным декором, связью с окружающим пространством.

      В живописи преобладали монументальные декоративные композиции на религиозные  или мифологические темы, парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров[5].

      Типичная  для барокко религиозная композиция показывает святых или Мадонну в  окружении ангелов в вихре  взметнувшихся драпировок и курчавых облаков. Популярные в эту эпоху  сюжеты из классической мифологии изображались в столь же преувеличенной манере. Не все искусство барокко было, однако, пышным и лучезарным - мрачный драматизм художников, подобных Караваджо, также принадлежит этому стилю.

      Стиль барокко в живописи характеризуется  динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность; яркий пример — творчество Рубенса и Караваджо.

      Микеланджело  Меризи (1571—1610), которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом, такие как Аннибале Карраччи (1560—1609) или Гвидо Рени (1575—1642), переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.